Cricri

Desejos de mulher

2012-01-27T12:31:00.003-02:00

Gabriela Leite emocionou-se ao assistir pela quinta vez em Filha, mãe, avó e puta — Uma entrevista

A prostituta, escritora e militante Gabriela Leite sonha em envelhecer numa casa de campo ao lado do companheiro de vida e aplaude a coragem da atriz Alexia Dechamps em dar voz à sua história no palco do CCBB

Sérgio Maggio

Quando a mulher Gabriela Leite ficou diante da personagem “Gabriela Leite”, sabia que o reflexo era um simulacro. Tinha consciência de que o tipo criado por Alexia Dechamps era uma inspiração à sua trajetória, ao seu jeito de ser, de pensar e se portar. O que ela não tinha dimensionado era a capacidade do teatro de potencializar e transformar essa composição a cada sessão. Na que assistiu em Brasília (a quinta experiência), não se conteve em risos e em emoção quando a atriz, no meio da entrevista, retirou os óculos do rosto, alinhou à frente da visão e avaliou o nível de sujeira das lentes. “Aquele gesto é muito meu. Alexia tem enriquecido essa peça de detalhes que me impressionam a cada vez que vejo”, conta a ativista pelos direitos das prostitutas.
Prostituta é mesmo a palavra preferida. Gabriela Leite não é mulher de eufemismo e o termo “profissional do sexo” acaba escamoteando todos os estigmas, que cercam e massacram a atividade ainda fortemente discriminada pela sociedade brasileira. Essas ideias estão em Filha, mãe, avó e puta — Uma entrevista, espetáculo que ocupa o palco do Teatro II do Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB). A peça é extensão do corajoso e essencial livro de memórias da estudante de filosofia, que resolveu se prostituir na Grande São Paulo, tornando-se, tempos depois, a principal voz contra os preconceitos e a supressão de direitos das prostitutas no Brasil. “O teatro tem levado o meu discurso para outro público. Assim como os desfiles da Daspu (a grife) também o fizeram”, comemora Gabriela.
Respeitada no Brasil e no exterior pelo sério trabalho à frente da ONG Davida, sobretudo, em questões relacionadas à prevenção a Aids e DSTs, Gabriela Leite emociona-se quando, ao fim da peça, Alexia Dechamps se levanta da bancada de entrevista e anuncia que a personagem sonha em envelhecer, cozinhando numa cidadezinha do interior ao lado do companheiro de amor e vida, o jornalista Flávio Lenz. Sentada próxima a ele na plateia, ela não esconde as lágrimas ao ser chamada para o palco a fim de receber rosas vermelhas e as palmas entusiasmadas da plateia. “Quero agora dar espaço mais a mulher e menos a militante. É difícil, mas estou aos poucos cuidando mais da minha vida particular. Selecionando as viagens, abrindo caminhos para outras mulheres ocuparem a luta”.

Voz de muitas
Gabriela Leite sabe que o Brasil ainda está tateando em algumas das questões cruciais sobre a prostituição no país. É a voz que dialoga com algumas lideranças progressistas do Congresso Nacional para, pelo menos, desarquivar o projeto de lei que descriminaliza a atividade. É ela também que vai a mídia para explicar que abuso sexual de menores e tráfico de mulheres não têm nada a ver com a prostituição em si. São casos de polícia. Está sempre a postos para garantir o direito de ir e vir da mulher, lembrando que, por aqui, se prostituir não é crime. “São muitas batalhas, mas preciso de mais tempo para me dedicar, por exemplo, a escrever.”
A escrita de Gabriela Leite, tão bem posta à boca de Alexia Dechamps, vem da alma, das alegrias e dores da vida, sem vitimização alguma e cheia de orgulho. Daqui a pouco, o livro que virou peça vai se transformar em filme e o discurso da mulher-militante será massificado. Dá um frio na barriga ser tão exposta assim. Mas a experiência do teatro deu uma acalmada. “Lembro de ter ficado bem nervosa às vésperas da estreia no Rio, quando encontrei uma produtora que comentou ter ficado chocada com um estupro sofrido por mim. Gente, eu nunca fui estuprada. Depois, entendi que foi uma interpretação dela”.
Aliviada depois da estreia, Gabriela segue a rotina de dormir lá pelas altas da madrugada, acordar bem tarde, se reunir nos botecos de verdade para despachar, fumar os seus cigarros e beber os bons drinques. “Sou uma mulher livre, não gosto que me digam o que tenho de fazer. Decido o que faço da minha vida”, conta. Autônoma, ela enfrentou, nos bastidores do espetáculo, quem a questionou sobre a escolha de Alexia para o papel. Alguns estranham “uma mulher bonita, alta, loira, modelo” fazer essa personagem. “Descobri que ela sofria preconceitos e isso fortaleceu o nosso encontro. Depois, foi ela quem me escolheu, o que acho muito corajoso.”
Doce, amável, sensível, bem-humorada, dona de opiniões fortes e inteligentes, Gabriela Leite tem o dom de cozinhar e de fazer crochê. Recentemente, deu de presente um tapete lindo para Alexia. O tempo que clama para si tem a ver também com a vivência de avó, de mulher e de companheira. De cuidar da saúde, de olhar a natureza e de se orgulhar do passado de puta. “Puta mesmo”, reitera ela, que tem tantos papéis resumindo em um só: o de grande cidadã brasileira.

FILHA, MÃE, AVÓ E PUTA — UMA ENTREVISTA Direção: Guilherme Leme. Com Alexia Dechamps e Louri Santos. De quinta a domingo, sempre às 19h30, no Centro Cultural Banco do Brasil (SCES, Tc. 2, Cj. 22; 3108-7600). Ingressos: R$ 6 e R$ 3 (meia). Não recomendado para menores de 14 anos. Até 5 de fevereiro.

Promoção Conversas de Cafetinas

2012-01-26T14:44:00.003-02:00

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e aproveite o verão para colocar a leitura em dia

A longa marcha, de Sun Shuyun
A vida que ninguém vê, de Eliane Brum
As melhores entrevistas do Rascunho, de Luís H. Pellanda (org.)
Conversas de cafetinas, de Sérgio Maggio
Machado e Borges, de Luís Augusto Fischer
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As mães da Ceilândia

2012-01-26T14:19:00.004-02:00

Sérgio Maggio

Nestes dias de chuva, acompanho a dor das mães da Ceilândia que perderam suas filhas em um estúpido acidente de carro, na madrugada do sábado, na BR-070. De uma delas, em hora de incalculável sofrimento, ouço a súplica dilacerada para que “os jovens obedeçam aos seus pais”. As palavras, que antecedem ao sepultamento da filha, provocam em mim uma certa inquietação. De imediato, é uma frase para ser ouvida, silenciada e respeitada. Quem há de questionar uma mãe num momento tão brutal.

A vontade é de abraçá-la e de transmitir conforto, força e fé na vida que seguirá. Torço para que essas mães da Ceilândia consigam superar o trauma. É grande a tendência à culpa, ao julgamento, ao que não foi dito, ao que deveria ter sido evitado. Sentimentos corrosivos que definham a saúde mental e física de quem orbita em torno de uma tragédia. Tomara que elas consigam reconstruir o que parece estar devastado para sempre. Cada uma do seu jeito, agarrando-se ou não às suas crenças, mas amparadas, sobretudo, pelo carinho de quem está ao lado.

Seria muito importante que essas mães da Ceilândia tivessem acesso a alguma ajuda psicológica. Sem recurso financeiro para arcar com um tratamento, muitos parentes de vítimas de tragédias padecem em depressão e não se recompõem do trauma. Acabam por não aprofundar nem amadurecer o papel de educadores a partir da perda. Em muitos casos, o pânico de ter a experiência repetida no futuro produz uma relação paranóica, cercada de medos e culpas.

Talvez, um bom começo esteja na reflexão sobre o verbo obedecer, conjugada pela mãe em hora de tanto desespero. A palavra de força masculina, que estabelece uma ordem imperativa, hierárquica e inquestionável, tem se mostrado falida em dar conta do clássico “conflito de gerações”. Ao longo dos séculos, em nome de ordens baixadas como leis, as distâncias entre pais e filhos se alargaram. Não há como trancar por muito tempo uma jovem que quer se divertir e descobrir o sabor da independência. Mas há como, desde cedo, estabelecer o diálogo, apontar as delícias e os perigos de cair do ninho e voar. É como um animal que ensina o seu filhote a caçar a presa e escapar do predador, sem deixar de seguir o rito da natureza e correr todos os riscos dessa fantástica cadeia alimentar.

Sabe aquela boa conversa diária em que pai e mãe apontam possibilidades e caminhos? Eles dão dicas em vez de ordens e apontam que estar vivo é muito mais que botar uma roupa nova, passar o batom e cair na balada.

Acredito na força de jovens que adquirem o conhecimento da vida a partir da experiência de erros e acertos dos pais. A liberdade é um convite ao deslumbramento, ao êxtase, ao carro em alta velocidade, ao excesso. Quando se mergulha nela de peito aberto, no desespero de fugir do cárcere, das regras que massacram e não são aplicáveis, o risco do choque é alto. É bom sair de casa e ir para a vida sabendo que é preciso estar em salutar estado de alerta, de intuir que aquele ambiente está pesado demais ou que aquela carona pode resultar num acidente fatal.

E esse estado de atenção é apreendido em conversas, em olho no olho, em compreensão, em tolerância, em saber respeitar as escolhas e entender as individualidades. Quem sabe a primeira atitude esteja em trocar imediatamente o verbo obedecer por dialogar.

A amante da UnB

2012-01-25T14:05:00.003-02:00

Sérgio Maggio

Conheci uma senhora que enfrentou a ditadura militar e colocou o corpo como escudo para proteger a Universidade de Brasília das sucessivas invasões. Numa tarde chuvosa, sentamos para conversar sobre esse tempo e, aos poucos, a voz serena embargou-se. Notei as mãos trêmulas e as palavras ecoando com sonoridade interrompida. As lembranças em carne viva e emocionadas recriavam uma UnB fascinante aos meus olhos. Por mais que ela instigasse à minha imaginação, entendi que não conseguiria alcançar o estado de liberdade criativa que o câmpus tinha antes de ser golpeado pela atrocidade.
Era preciso ter estado ali, naquele tempo, para entender o porquê dos olhos marejados daquela mulher. O movimento de liberdade era pleno. Havia, ela conta, um crescente sentimento de pertencimento e de orgulho em “ser UnB”, comungado por estudantes, professores e servidores. Era como se todos fossem protagonistas de uma história única: a construção de uma universidade livre. Ela, diria hoje, transdisciplinar, com arte e ciência costurando os desejos.
Sabendo do meu amor pelo teatro, ela me conta que grupos amadores apresentavam cenas curtas inspiradas no golpe de 1964. Ali, a comunidade, inspirada no modelo do Teatro de Arena, discutia a realidade a partir do que era posto no palco. Um dia, vieram os diretores Augusto Boal, Alberto D’Aversa e José Celso Martinez Corrêa para tecer impressões sobre esses trabalhos, num intenso aprendizado sobre a complexa situação do Brasil.
O Auditório Dois Candangos vivia apinhado de gente para assistir às peças, ver filmes de arte e participar de mesas-redondas. As pessoas se conheciam independentemente do curso e do convívio em sala de aula. As rodas de violões, que celebravam a descoberta da música brasileira, ecoavam as canções de ídolos que acabavam de virar ídolos. Nos dias longos passados na UnB, surgia um genuíno espírito nacionalista. Sim, porque ninguém queria voltar para a casa. As aulas terminavam e os grupos se formavam para esquadrinhar o mundo.
Foi assim que ela se apaixonou por um estudante de direito, mas perdeu a virgindade com um de filosofia, numa noite de seca e de lua cheia intensa. A liberdade sexual, no entanto, não era tão livre assim quanto corria à boca miúda. “Sexo, drogas e rock in roll” eram fama. É claro que os jovens namoravam e transavam no câmpus, mas havia muita “paranoia”, sobretudo, das meninas, que temiam a gravidez e a má reputação. Em seu relato, ela confessa que tinha muita gente “careta”. Não se recorda, por exemplo, de ter vistos gays namorando. Ela frisa que o movimento estudantil era extremamente machista e, se assumir homossexual, gerava até a expulsão de partidos e associações de esquerda.
O cheirinho de maconha era sentido aqui ou acolá. O “barato mesmo” era assumir uma atitude política frente ao regime militar. Quando a universidade virou alvo direto da truculência, não havia espaço para pensar em muitas coisas. Namoro, sexo, viagens, experiências e festas foram adiados. “Eu era amante da UnB. Por ela, arrisquei a minha vida”, confessa, sem querer contar detalhes sobre aqueles dias de discórdia. Hoje, quase 50 anos depois, ela não consegue mais recuperar essa memória do confronto, de professores expulsos e alunos presos. Ficou só com esse fino gosto de liberdade.

A sucessora de Cássia Eller

2012-01-19T11:09:00.003-02:00

Jessica Rabbit

Sérgio Maggio

A cantora Shyane acaba de chegar a Brasília. Ela veio de São Paulo motivada por um sonho: ser a nova Cássia Eller da cidade. A ideia surgiu numa madrugada, no Bar dos Amigos, lá no Largo do Arouche, em São Paulo. A artista da noite foi assistir ao show de amigas travestis quando encontrou um abastado casal gay brasiliense em férias. Entre uma e outra cerveja, viraram, os três, amigos de infância. Shyane, atenta, pôde ouvir as fantásticas histórias de como surgiu o furacão Cássia nos bares da Asa Norte.

Não pensou duas vezes. Assim que se despediu daquele amável casal de namorados, ela se dirigiu para a Rodoviária de São Paulo e comprou uma passagem no expresso Brasília. Estaria no Cerrado no dia seguinte. Correu para o apartamento, pegou as melhores roupas da noite, um portfólio de bares onde tocou na Augusta e na Consolação, a mala de maquiagem e um Ipod com a seleção de seu repertório para impressionar os jornalistas de plantão. Um deles, o casal deu a dica, tratava-se de Irlam Rocha Lima, que, segundo a dupla, era uma espécie de Midas candango.

Quando Shyane desembarcou, chovia litros sobre a cidade. Ela, mística, interpretou a banal tempestade de janeiro como um sinal claro da natureza, que limpava e abria os caminhos. Ali mesmo, na Rodoferroviária, trocou de roupa, passou um batom e seguiu, como uma diva, para os bares indicados pelos amigos de noitada paulistana. Resolveu chamar um táxi, daquele de 30%, aliás, outra dica preciosa da dupla. A primeira parada: os famosos bares da 408 Norte. Ali, com toda pose de diva contemporânea, ela sentou-se na cadeira, pediu uma água com gás e tomou o primeiro choque de realidade.

De olhos arregalados, ouviu que o músico da noite em Brasília virou um ser em extinção, perseguido pela vizinhança impaciente. Mais: os bares com som ao vivo são caçados como lebres pelos órgãos de fiscalização do GDF. Dificilmente, teria um espaço na cidade que, ao longo de sua curta história, revelou joias exportadas para o Brasil, como Cássia Eller, Zélia Duncan, Renata Arruda, Gisa Pittan, Rubi, Dhi Ribeiro, Luciana Luppy e Indiana Nomma, entre outras tantas boas vozes que aqui residem. “Ixi, se eu fosse a senhora, voltaria correndo para São Paulo. Aqui, o músico da noite está estudando para concurso público”, aconselhou um garçom amigo.

O mundo rachou em dois diante de Shyane. Ela ainda tentou em vão uma entrevista exclusiva com Irlam Rocha Lima, mas o repórter do Correio estava na festa de lançamento do carnaval de Salvador. O jeito era voltar para Sampa ainda naquele longo dia. Comprou a passagem para as quatro da madrugada, mas, antes, resolveu dar a última cartada. Foi para o Setor Comercial Sul, ligou o seu microfone em duas pequenas caixas de som e começou a cantar sobre a base musical das canções do Ipod. A esperança era de que algum olheiro passasse por ali. Sob chuviscos insistentes, Shyane interpretou Adele, Elizeth Cardoso, Nara, Elis, Carmen Miranda e Amy. Já passava das 22h e só se aproximaram alguns viciados em crack e uns travestis que faziam pista. Eles aplaudiram vertiginosamente. Um deles ainda gritou: “Uhu, Brasília é roquenrol”. Shyane sorriu antes de recolher tudo e voltar feliz para os bares da Augusta. Dias depois, receberia um cartão-postal do casal gay brasiliense em férias. “Shyane, amiga, venha para Paris. Aqui, a noite é das estrelas!”

Todos contra o crack

2012-01-17T13:08:00.002-02:00

Sérgio Maggio

Um homem desgarrado, maltrapilho, em pedaços, de olhos vidrados, bateu compulsivamente no vidro do meu carro num semáforo da Esplanada. Ele gritava por dinheiro naquele início de madrugada. Não tive medo, nem piedade. Apenas fiquei impotente, parado diante do sinal verde, talvez sem coragem de fugir da realidade. Quando retomei o movimento, olhei-o pelo retrovisor. Ziguezagueava pela amplidão daquela via, até desaparecer por completo no horizonte.
Naquela noite de asfalto chuvoso, que refletia as luzes da cidade, mantive a imagem daquele homem na cabeça. Sem pensar muito, fiz o primeiro retorno no Eixo Monumental e voltei a passar pela Esplanada quase vazia. O homem não estava mais lá. Tinha desaparecido. Quem sabe conseguido o dinheiro que tanto queria. Retomei o caminho quando observei, próximo a Rodoviária, dois adolescentes a chutarem um sujeito, muito parecido com aquele que bateu no vidro do meu carro. Acendi os faróis altos e buzinei na tentativa de assustá-los. Não funcionou. Os garotos ficaram mais excitados, diziam coisas que eu não conseguia ouvir e continuaram o ato de agressão, sem me dar muita bola, numa dessas cenas de selvageria urbana.
Mergulhei numa impotência sem fim. Os zumbis do crack parecem se impor aos nossos olhos como seres nascidos de um problema sem solução. A droga desafia governos em todo o mundo. Em São Paulo, assistimos atônitos a uma ação polêmica das autoridades, que dissipou os usuários da Cracolândia, nos arredores da Estação da Luz, para o resto da cidade, sem criar uma alternativa social de tratamento. Há até a possibilidade da internação compulsória, questionada por humanistas. Até agora, o resultado é uma população com mais medo e preconceito contra o usuário do crack, talvez o ser humano mais desvalorizado da nossa sociedade.
Em Brasília, não é diferente. A população de viciados vaga e o grande perigo, mas o grande perigo não está no sujeito que bate desesperado à janela dos carros. O maior risco está em banalizar essa cena. Fazer com que, esse exército condenado a não ter mais sonhos, incorpore-se como uma imagem errática da cidade. Acho que foi por isso que retornei naquela noite para a Esplanada . É contra esse risco que encontro o meu lugar nessa trincheira. Não deixar a minha indignação ser engolida pela impotência, pela inanição, pela inércia, pelos confortos da classe média à qual faço parte. Não posso acreditar que um ser humano em toda sua potência infinita de vida possa se reduzir a essa condição rastejante, que evoca uma “ratazana” atrás de restos.
Lembro que, nos anos 1990, quando a população de meninos de rua invadiu as cidades, houve uma espécie de alienação das pessoas diante do problema —- aquela imagem do vidro do carro se fechando e isolando o motorista da criança pedinte virou um clichê da época. Não podemos repetir essa atitude agora porque é por meio da indignação que nós, cidadãos, pressionaremos o governo a apresentar o resultado do projeto social contra o crack. Todos os candidatos que chegaram recentemente ao poder gastaram seus preciosos minutos de propaganda eleitoral apresentando suas plataformas contra a propagação da droga e o tratamento dos usuários. Agora, é hora de convidá-los a agir e a prestar contas. Em Brasília, não pode ser diferente.

Senhor das tradições

2012-01-16T12:52:00.002-02:00

Mestre da cultura popular, seu Teodoro morreu ontem de parada cardíaca

Sérgio Maggio


"Podia não existir a morte. Quando a idade veio chegando, eu só tinha medo de uma coisa: de o boi acabar. Agora, meu filho mais moço assumiu a festa. Quero mais. Mas se não der, estou pronto para fazer a viagem"

Enquanto o mestre Teodoro Freire viveu, alimentou sonhos. O de chegar aos 100 anos tomando café da manhã com farinha d’água e comendo, no almoço, o sagrado cozido de boi com quiabo e maxixe. Queria também erguer uma nova sede para o Centro de Tradições Populares em Sobradinho a fim de ampliar os projetos culturais. Desejava voltar a pescar no iguarapé do povoado de Castanho Claro e levar “o bicho” ainda se debatendo para a companheira Maria José pôr no fogo. Aos 91 anos, o maranhense, com porte de príncipe, era um amante das pequenas felicidades, como a de se deitar à rede e esticar o corpo cansado de brincante num lugar onde o tempo vadeia. Ali, do mundo, faria questão de saber das narrativas futebolísticas do Flamengo ou das façanhas carnavalescas da Mangueira. Queria mesmo era espichar a vida. “A morte só me procura porque é saliente, não tem vergonha. Eu nunca procurei por ela, de jeito nenhum”, contou, certa vez, ao Correio.

Na madrugada do domingo (15), a “Caetana”, como os nordestinos cabras da peste docemente chamam a tinhosa morte, beijou a boca do homem de coração cheio de paixões. Uma parada cardíaca interrompeu a trajetória do senhor das tradições, que fez o brasiliense ganhar intimidade com a festança do boi do Maranhão e do tambor de crioula, tornando-se a figura mais importante do Distrito Federal no âmbito da cultura popular. Desde ontem, amigos, parentes e admiradores de seu Teodoro participam dos ritos fúnebres no Centro de Tradições Populares,. O velório segue até as 11h. Às 14h, o corpo será cremado.

Dono de múltiplos saberes populares, seu Teodoro fez-se mestre na labuta para matar a saudade doída do Maranhão distante. Foi condecorado pelas honras dos homens letrados. Tinha título da Ordem do Mérito Cultural, outorgado pelo presidente Luiz Inácio Lula da Silva, na gestão de Gilberto Gil à frente do Ministério da Cultura, em 2006. A brincadeira de Sobradinho foi tombada como patrimônio imaterial do DF e passou a ser conhecida em todo o país. O respeito e a reverência uniram gerações em torno desse rei popular. Não só os nove filhos vivos abraçaram a tradição (o caçula Guarapiranga é o herdeiro condutor das festas e dos projetos), como também uma legião de jovens encantada com o desejo incontrolável da mulata Catirina em comer a língua do boi.

Em agosto de 2011, com a ajuda de respirador artificial, seu Teodoro encheu os olhos de emoção ao ver a força da farra do boi, criada em Sobradinho há 48 anos. Sentou-se, como um soberano, em camarote todo enfeitado com motivos da brincadeira. Do terreiro, avistava-se aquele senhor de impecável chapéu de palha, adornado por fitas vermelha e preta. Mesmo doente, exibia a fisionomia terna. Há três anos, ele estava guerreando com o efisema pulmonar. Mas, ali, diante dos bois vindos de todo o país e daquela gente de muitos cantos do DF, parecia esbanjar saúde. “A festa cresceu muito, graças à resistência dele. Uma hora o reconhecimento chega”, comemorou Guarapiranga.

A resistência de Seu Teodoro se fortaleceu em décadas de dedicação para preservar as tradições de sua terra natal. Primeiro, no Rio de Janeiro, quando chegou em 1953, e foi ganhar a vida na então capital federal do Brasil, trabalhando como faxineiro. Ali, num misto de deslumbre com a cidade grande e o banzo do Maranhão, teve o impulso de formar um grupo de brincantes para reviver as danças e as cantigas que se mantinham vivas em sua memória de menino. Juntou uns 46 cabras e botou o boi para correr a capital fluminense. Numa dessas rodas, o brincante se desmanchou feito bobo quando viu a menina Maria José dançando ao som das matracas e das zabumbas. Foi amor de olho no olho. Ela, mulher de uma vida inteira, teve 11 filhos (nove estão vivos). “Teodoro sempre foi um homem apaixonado”, suspirou a companheira de 56 anos.

Tatus e siriemas
Brasília só tinha um ano de vida quando o escritor maranhense Ferreira Gullar (então diretor da Fundação Cultural no governo Jânio Quadros) fez um convite para que aqueles brincantes nordestinos das ruas cariocas viessem à nova capital festejar a “maluquice” de JK de transferir a sede do poder para o meio do mato de Goiás. Teodoro, o boi e todos os fantásticos seres bailaram na Rodoviária. “Brasília era diferente. Tinha tatu na estrada, siriema andando na rua, deu vontade de ficar”, lembra o homem de memória prodigiosa (ele morreu lúcido e tendo os lapsos naturais da velhice). No ano seguinte, 1962, Teodoro e família desembarcavam aqui de mala e cuia. É lógico que ele não descansou enquanto não pôs o boi no concreto.

Enquanto instalava-se em Sobradinho com a família e as tradições (ele fundou a Sociedade Brasiliense de Folclore em 1963), iniciava carreira de funcionário público na Universidade de Brasília (UnB). Começou como contínuo e se aposentou já com um certo respeito pelos seus saberes, confeccionando instrumentos. O templo do mestre, o Centro de Tradições Populares (criado em 1972), em Sobradinho, virou abrigo para as manifestações culturais que ganharam identidade no DF. Hoje, a festa é tão candanga quanto maranhense com brincantes nascidos e criados aqui. “Não reclamo de nada. Alguém como eu ter todas essas honras em Brasília, quem diria?” A simplicidade era uma das suas maiores sabedorias e um dos nossos maiores aprendizados.

» Doidinho pelo boi
A loucura de Seu Teodoro pelo boi começou lá em Castanho Claro, povoado do município de São Vicente de Férrea, localizado a 280km de São Luís, na chamada Baixada Ocidental Maranhense. Um lugar de gente modesta, com menos de 20 mil habitantes (segundo o Censo de 2007), que vive de lavoura, de pastar gado e de aposentadorias. “Ver o boi era a única diversão. Mas na festa dava briga. Eu era menino e minha mãe não deixava eu assistir. Então, eu fugia de casa meia-noite”, lembrou. Para enganar dona Sinhá, ele colocava um pilão dentro da rede. Ela passava e pensava que o garoto dormia de sono solto. O menino Teodoro não era chegado aos estudos. Queria mesmo era entender a natureza daquele teatro de rua. Quando se mudou ainda menino para São Luis, trabalhou em botequim e quitanda. “Fiz de tudo na vida. Macetei pilão, trabalhei em oficina. Não sobrou tempo. Queria ter sido militar”, lembra o homem doido pelo Maranhão, a ponto de batizar um dos filhos como Tauá, em homenagem a uma ilha do estado natal.

Colaboraram Leilane Menezes e Pedro Brandt

Morre Fernando Peixoto, mestre do teatro brechtiano

2012-01-15T16:58:00.003-02:00

Fernando Peixoto, teatrólogo

Sérgio Maggio

Parte do conhecimento e reflexões sobre Bertolt Brecht no Brasil deve-se ao instigante pensamento do ator, diretor e pesquisador Fernando Peixoto, um nome essencial na modernização do teatro brasileiro, estando ligado ao anárquico Teatro Oficina, em sua fase antropofágica — época que atuou ao lado da então companheira, a atriz Íttala Nandi. Ontem, o homem que ajudou a desvendar as chaves do teatro dialético no país morreu, aos 75 anos, em São Paulo, vítima de câncer no intestino.
“O Brasil acaba de perder um dos maiores pensadores de teatro, o diretor, ator, escritor e professor Fernando Peixoto. Suas reflexões sobre o teatro internacional e sua contribuição ao teatro brasileiro, na segunda metade do século 20, foram fundamentais. Ele manteve até o fim da vida a relação de apoio e orientação aos novos atores, diretores e grupos. O Ministério da Cultura sente profundamente esta perda”, lamentou, em nota oficial Vitor Ortiz, ministro interino.
Fernando Peixoto participou das grandes montagens do Teatro Oficina nos anos 1960, todas comandadas por José Celso Martinez Corrêa, entre elas, O rei da vela, peça histórica que fundou as bases do teatro antropofágico, e as brechtianas Galileu Galilei e Na selva das cidades. Membro do Partido Comunista do Brasil sofreu com o cerco da ditadura militar, que sucateou o teatro brasileiro de resistência na década de 1970. Um dos seus espetáculos, Calabar, texto de Chico Buarque e Ruy Guerra, foi proibido de estrear, em 1973, dias antes de abrir o pano. Essa produção só foi possível ser realizada em 1980.
Fernando Peixoto manteve-se na ativa incansável tanto na produção teórica quanto na prática, tornando-se uma referência para os estudos teatrais na América Latina.

Verbete Itaú Cultural

Fernando Amaral dos Guimarães Peixoto (Porto Alegre RS 1937). Diretor, teórico e ator. Homem de teatro, radicado em São Paulo, ligado ao Teatro Oficina como ator em sua primeira fase. Torna-se, a partir dos anos 1970, diretor especialmente empenhado no teatro de resistência. Reconhecido teórico, autor de obras vinculadas às concepções brechtianas e da tendência nacional - popular do teatro brasileiro.

Inicia carreira como ator em Porto Alegre, em 1953, envolvido com o teatro semiprofissional de então, onde faz Feliz Viagem a Trenton, de Thornton Wilder, em 1954; O Muro, de Jean-Paul Sartre, em 1955; e Egmont, de Goethe, com direção de Ruggero Jacobbi, em 1958. Faz substituições em espetáculos de importantes companhias paulistas que excursionam na cidade, tais como O Canto da Cotovia, de Jean Anouilh, direção de Gianni Ratto, do Teatro Maria Della Costa - TMDC, em 1957; Leonor de Mendonça, direção de Flávio Rangel; Um Panorama Visto da Ponte, direção de Alberto D'Aversa, ambas do Teatro Brasileiro de Comédia - TBC, em 1960; além de Mãe Coragem, de Bertolt Brecht, na produção de Ruth Escobar, no mesmo ano. Muda -se com sua mulher Ítala Nandi para São Paulo em 1963, integrando a companhia Teatro Oficina.

Suas participações no Oficina tornam-se marcantes, em todas as produções desde então: Quatro num Quarto, de Valentin Kataev, com direção de Maurice Vaneau, em 1962; Pequenos Burgueses, de Máximo Gorki, em 1963; Andorra, de Max Frisch, em 1964; O Rei da Vela, de Oswald de Andrade (1890 - 1954), em 1967; Galileu Galilei, de Bertolt Brecht, em 1968, e Na Selva das Cidades, de Bertolt Brecht, em 1969, todas direções de José Celso Martinez Corrêa. Deixa a companhia em 1970.

Em 1969, está no elenco do Teatro de Arena nas excursões internacionais de Arena Conta Zumbi, de Gianfrancesco Guarnieri e Augusto Boal, e Arena Conta Bolívar, também de Boal. Retorna no papel de Jean-Paul Sartre em A Cerimônia do Adeus, de Mauro Rasi, direção de Ulysses Cruz, em 1989. Sob a direção de Antônio Abujamra, está em O Inspetor Geral, em 1994, pelo Teatro Popular do Sesi - TPS.

Embora tenha experimentado a direção desde os anos 1960, estréia com Matar, de Paulo Hecker Filho, em 1959, ainda em Porto Alegre. Sua atuação nessa área ganha impulso após O Poder Negro, de LeRoi Jones (Amiri Baraka), em 1968, e D. Juan, adaptado de Molière, em 1970, ambas no Oficina. Com Tambores da Noite, de Bertolt Brecht, em 1972, inicia carreira como encenador fortemente influenciada pelas idéias do autor alemão. Suas principais realizações como diretor são: A Semana - Esses Intrépidos Rapazes e Sua Maravilhosa Semana de Arte Moderna, de Carlos Queiroz Telles, em 1972; Frank V, de Dürrenmatt, em 1973; Um Grito Parado no Ar, de Gianfrancesco Guarnieri, em 1973, mesmo ano em que dirige Calabar, texto de Chico Buarque e Ruy Guerra, numa produção carioca de Fernando Torres, proibida poucos dias antes da estréia; Ponto de Partida, novamente Guarnieri, em 1976; Mortos Sem Sepultura, de Jean-Paul Sartre, em 1977; Terror e Miséria do III Reich, de Bertolt Brecht, em 1979, coroam o ciclo de realizações.

Em 1980, finalmente liberado pela Censura, coloca em cena Calabar, numa produção de Othon Bastos e Martha Overbeck, em parceria com Renato Borghi. Dirige várias óperas, entre as quais Werther, de Massenet, em 1979; Wozzeck, de Alan Berg, em 1982; O Navio Fantasma, de Wagner, em 1984; Lo Schiavo, de Carlos Gomes, e Mme. Butterfly, de Puccini, em 1986; além de Café, música de Koellreuter e texto de Mário de Andrade, em Santos, 1996.

Fernando Peixoto é autor de ensaios, textos teóricos, tradutor, professor e dirigente de coleções nas editoras Paz e Terra e Hucitec, marca um dos raros casos de simultaneidade na produção artística e teórica.

Como jornalista, no jornal Correio do Povo, de Porto Alegre, entre 1957 e 1959, escreve sobre teatro, cinema e cultura. Atividade que continuará em alguns importantes órgãos da imprensa de resistência nas décadas de 1970 e 1980, como Opinião; Movimento; Revista Civilização Brasileira; A Voz da Unidade; Argumento; Debate & Crítica, etc.

Traduz os livros O Teatro e Sua Realidade, de Bernard Dort, em 1977, e Berliner Ensemble: Um Trabalho Teatral em Defesa da Paz, em 1985; além de muitos textos dramáticos, como Pequenos Burgueses, Vassa Geleznova, Um Mês no Campo, D. Juan, Mortos Sem Sepultura, Tupac Amaru, Na Selva das Cidades, sendo um dos organizadores da edição do Teatro Completo de Brecht no Brasil, para a qual traduz diversas peças.

São de sua autoria, entre outros, os livros Brecht, Vida e Obra, em 1968; Maiakóvski, Vida e Obra, em 1969; O Que É Teatro, em 1980; Brecht: Uma Introdução ao Teatro Dialético, em 1981; Teatro Oficina; Trajetória de uma Rebeldia, 1982; Vianninha: Teatro, Televisão, Política, em 1983; Ópera e Encenação, em 1986; Brecht no Brasil, em 1987; Teatro em Movimento, em 1988; Teatro em Questão, em 1989; Um Teatro Fora do Eixo, 1993; O Melhor Teatro do CPC da UNE, em 1990; Teatro em Aberto, em 2002.

Pelas direções de Um Grito Parado no Ar e Frank V, em 1973, recebe os prêmios APCA e Molière.

No cinema, atua em diversas películas, entre as quais Bebel, Garota Propaganda, de Maurice Capovilla, em 1967; Gamal - o Delírio do Sexo, de João Batista de Andrade, em 1969; Fogo Morto, de Marcos Farias, em 1975; A Queda, de Ruy Guerra, em 1976; Doramundo, de João Batista de Andrade, em 1977; O Homem do Pau-Brasil, de Joaquim Pedro de Andrade, e Eles Não Usam Black-Tie, de Leon Hirszman, ambos de 1980; assim como O Beijo da Mulher Aranha, de Hector Babenco, em 1984, e Faca de Dois Gumes, de Murilo Salles, em 1988.

Tempo feminino e plural

2012-01-13T11:17:00.002-02:00

Foto/Divulgação/CPT

Sérgio Maggio

Um dia seguia pelo Cruzeiro Velho quando vi um casal e uma criança caminharem ao lado de um cachorro e uma cabra. Os dois animais estavam saltitantes entre as mangueiras que enchem a região de verde, sob os meus olhos admirados. Gostei de graça daquela adorável família. Havia um frescor neles em exibir a convivência possível entre as três espécimes ( ser humano, cabra e cachorro). Sempre que volto àquele lugar fico na expectativa de encontrá-los. Essa imagem de alguma forma evoca o meu mais íntimo desejo de vivermos em diversidade. Em tempo esquisito como este, a cena ganha um valor imensurável.

A diferença é íntima da natureza dos seres vivos. Cada vez mais, corro dos guetos, dos iguais, das bandeiras, de gente que comunga a mesma prece e segue obediente a orientações partidárias. Quero a mistura. Pôr no liquidificador verdades diversas. Não é fácil lidar com o contrário, com quem nos contradiz. Mas é uma arte de inquietante aprendizado. Lembro que, em tempos de juventude, jamais admitiria estar numa mesa com quem votasse em candidatos de partidos mais conservadores. Hoje, quando direita e esquerda no Brasil comungam a mesma base governista, vejo que, no mínimo, deixei de amar pessoas de crenças contrárias por pura intolerância.

Falando em fé, tenho visto assustado gente que se diz religiosa se engajar em lutas contra a vida. Um padre que fala em rádio nacional que os gatos são animais “traiçoeiros”, por exemplo, dissemina um comando para que seus fiéis maltratem e desprezem os bichanos. Um pastor que se coloca contra a aprovação da lei contra homofobia, que pune assassinos de seres humanos, espalha a ideia da morte como punição para aqueles não seguidores de seus mandamentos. Assim como não se pode aceitar a morte de cristãos na Nigéria simplesmente por seguirem a Bíblia, não podemos ser omissos com travestis que são dizimados em vias públicas simplesmente por vivenciar outra sexualidade.

Conheci outro dia uma mãe que diz ter os dois filhos mais adoráveis do mundo. Mas nenhum cumpriu uma expectativa que nutria quando eles eram pequeninos e dependentes. Ela queria que a menina fosse médica. Mas a garota decidiu ser atriz. Essa senhora sonhou que o temporão tomasse conta da fazenda do marido. Ele virou bailarino. A mãe é católica. As crias, uma é budista, a outra adepta do candomblé.Decididos, os filhos caíram cedo no mundo do trabalho. A genitora, sem fé, achou que estaria condenada a envelhecer só em Brasília. A profecia não se cumpriu. Hoje, vive rodeada de dengos e de reverências. Sabe que se cair, tem amparo. E, com extrema compreensão, aprendeu a amar as devidas opções. “A solidariedade não tem credos nem bandeiras”, ensina.

A frase me fez lembrar outra história. Na última temporada natalina, um jovem convocava, nas redes socais, o movimento gay a boicotar trabalhos sociais de instituições administradas por igrejas que discriminam a homossexualidade. A atitude é equivocada. Há igrejas seriíssimas que revertem volume de arrecadação em projetos sediados em presídios e comunidades dizimadas pelas drogas e violência, onde, infelizmente, o Estado se faz ausente. O caminho nunca é o do revide. Segregar é sempre divulgar o ódio, alimentar um mundo maniqueísta, de certos e errados. O tempo é feminino, de verdades plurais, como aquela mãe que acolhe a todos independentemente de suas crenças e escolhas.

A morte do mau humor

2012-01-12T10:32:00.002-02:00

Imagem do blog Morrer a Rir!

Sérgio Maggio

Não é novidade alguma que conheci o homem mais mal-humorado do mundo aqui no DF. Era uma espécie de Seu Lunga, aquele birrento cidadão do imaginário nordestino. Só que mil vezes piorado. No dia em que o avistei, ele estava atacado. Ouvia no rádio as notícias mais cabeludas e reclamava de todas, sem exceção. A repórter narrava que um deficiente físico teve carro roubado em Ceilândia. E o velho retrucava: “Não sei para que deficiente quer carro!” Credo em cruz.

Sem qualquer noção de politicamente correto, esse cidadão prosseguia destilando toda a ira do mundo. Se a locutora falava do excesso de chuva, ele bradava com saudades infindáveis da seca. Se a mulher dizia que Brasília estava sem nada para fazer neste janeiro chuvoso, o “encosto” clamava: “Povo besta! Em vez de comprar uma rede para esticar o esqueleto, fica atrás de gastar dinheiro com divertimento”.

Ninguém aguentava o humor desse caboclo velho. Nos poucos minutos em que fiquei perto, quis sair em disparada. O marrento amaldiçoou Deus e o diabo. Sobraram cobras e lagartos para Niemeyer, “que construiu uns prédios esquisitos para turista fotografar”, para JK que “preferiu criar Brasília no meio do mato de Goiás em vez do litoral”, para Lula que “nunca visitou a região onde ele morava: o Setor de Áreas Isoladas.” Ou melhor, como ele preferia chamar, o Setor de Áreas Desoladas. Ali, essa criatura perdeu o humor e nunca mais o encontrou. “Para mim, esse tal de humor foi soterrado em alguma construção de Brasília e por lá ficou, mumificado, a sete palmos da terra.”

Enquanto a gente conversava, aproximou-se a única pessoa que era capaz de encostar perto dessa fera sem que ele puxasse a peixeira. A comadre Teresa, ou Teca, como o abominável preferia chamar, sabia exatamente quando e como entrar e sair do local sem irritar o tromba. Até o andar manso, o jeito doce de falar e o carinho controlado eram cautelosamente medidos. Se Teca aumentasse um grau nesse tom, o esporro saía que nem trovão pipocando no horizonte do cerrado. No dia dessa prosa entre mim e esse malcriado, a moça caiu na asneira de oferecer um caldo de cana. Antes de eu encher a boca d’água, o amuado berrou: “Quer que o rapaz tenha diabetes”.

Fiquei morto de vergonha por ter presenciado tamanha grossura. “Coitada da Teca”, pensei em voz alta. Tomei as dores e me enchi de coragem. Soltei os cachorros. Falei que ele provavelmente era um cidadão sem maturidade, que não sabia separar os sentimentos e adorava derramar tudo em cima de uma moça dona de olhos e corações tão bondosos. Aproveitei e defendi Niemeyer, JK, Lula, a chuva de Brasília, o deficiente físico que teve o carro roubado e o direito à diversão no janeiro brasiliense.

Quando percebi, estava em cima de um caixote como se estivesse fazendo um discurso. Nessa hora, o homem mais mal-humorado do DF olhou pra mim e caiu na gargalhada. Aquele sujeito riu por 90 minutos ininterruptos até cair duro no chão duro e sem pulso. Foi assim que o homem mais irritado dessas bandas morreu de tanto rir. Naquele dia, depois dos ritos fúnebres, eu e Teca saímos por aí rindo feitos bestas. Dos gritos assanhados das maritacas às mangas que se espatifavam no chão. Gargalhamos até doer as bochechas.

A grande vedete

2012-01-10T12:52:00.005-02:00

Microssérie desvenda ao grande público a importância de Dercy Gonçalves para a renovação do teatro de comédia no Brasil

Sérgio Maggio

A campanha publicitária que antecede a estreia de Dercy de verdade aponta que hoje o grande público brasileiro vai descortinar a vida de uma das mais importantes comediantes do país. A autora Maria Adelaide Amaral vai levar à tela a saga humana da menina que escapou dos horrores machistas do início do século 20 e tornou-se uma das maiores estrelas do país. Ao fim da microssérie de quatro capítulos (no ar de hoje a sexta, na TV Globo), o telespectador terá outra imagem, que vai colocar por terra o estereótipo da senhora desbocada e sem limites que marcou as últimas décadas de vida da artista centenária.

No interior dessa estratégia, que marcou concepção do livro Dercy de cabo a rabo, escrito por Maria Adelaide Amaral em 1994 e agora relançado, há uma revelação mais contundente para a grande audiência, sobretudo as novas gerações acostumadas a lidar porcamente com a memória nacional. Dercy Gonçalves (na trama, ela será vivida por Fafy Siqueira, Heloísa e Luiza Perissé) foi uma das maiores artistas do teatro brasileiro. Ela deu à comédia uma picardia brasileira ao incorporar, com talento incomum, o improviso num tempo que o teatro nacional estava completamente preso a velhas formas, como o uso do “ponto” (na trama, vivido por Emiliano Queiroz), aquela figura que murmurava o texto teatral para o ator recitar.

Dercy mandou às favas um jeito requentado de se fazer teatro no Brasil. Se não fosse a vedete da companhia, o ator andava completamente marcado e sem falas decoradas. Não podia desobedecer o texto nem tampouco sair do que fosse combinado com o encenador. A presença coadjuvante funcionava apenas em função da estrela maior, que atuava à frente, na ribalta, sob os holofotes. A anarquia dessa jovem atriz, que começa pelas companhias mambembes, estremece essas relações. “O maior desespero dos críticos , quando comecei a fazer comédias, era saber onde o autor acabava e a atriz começava. Alguns ficavam enlouquecidos com a minha improvisação”, relata Dercy no livro de Maria Adelaide Amaral.

Teatro do rebolado
Apesar desse enfoque humano para destruir o estigma de “velha que fala palavrões”, Dercy de verdade trará o teatro brasileiro de uma época como pano de fundo. Figuras que hoje estão esquecidas, como Walter Pinto (interpretado pelo ator Eduardo Galvão), surgem ao lado de uma efervescente Praça Tiradentes, que foi o território do apogeu e da queda do teatro de revista ou rebolado, tendo o Teatro Recreio como templo maior. Ali, Dercy Gonçalves foi rainha companhia própria e desenvolveu um estilo impagável, contrapondo-se aos shows bem acabados, de padrão internacional, do empresário Walter Pinto, responsável por renovar o gênero no país. No desafio de contar mais de 100 anos de vida em quatro capítulos, importantes personagens ficarão de fora, como Jardel Jércolis (pai do excepcional ator Jardel Filho), um dos artífices do teatro de revista no país.

Até conquistar o estrelato e enfrentar toda série de dificuldades, Dercy Gonçalves passou por circos e cabarés. Uma das principais casa de shows, a Casa de Caboclo, onde Noel Rosa se apresentava, surge no começo de carreira, quando Dercy fazia dupla com Eugênio Pascoal (Fernando Eiras), em Os Pascoalinos, logo depois de fugir de Santa Maria Madalena com a Companhia de Maria Castro. Um dos números mais marcantes era a canção Malandrinha (“Oh, linda imagem de mulher que me seduz/ Ai se eu pudesse estaria no altar/ És a rainha dos meus sonhos, és a luz/ És malandrinha, não precisas trabalhar”). Quando Dercy ouviu essa canção, ainda era a menina Dolores Gonçalves Costa e nem sonhava em se tornar um dos mitos do teatro brasileiro.

“Inaugurei o escracho no teatro brasileiro”
Dercy Gonçalves

DERCY DE VERDADE
Microssérie em quatro capítulos. De hoje a sexta, às 23h30, na TV Globo.

DERCY DE CABO A RABO
Edição revista e ampliada de Maria Adelaide Amaral. Editora Globo, 320 páginas.

Disque 100 para salvar

2012-01-09T16:44:00.003-02:00

Sérgio Maggio

Às vezes, a realidade fica insuportável. O ano começou assim em Brasília com dois líderes religiosos envolvidos em exploração e abuso sexual de crianças. Dois homens, que se dizem cristãos, envolvidos em graves acusações e evidências de seviciar meninos e meninas. Duas pessoas que traíram a confiança dos pais fiéis que, com os corações cheios de fé, confiaram seus filhos ao convívio dos algozes. Estamos todos chocados. Não por se tratar de uma história inusitada — os escândalos de pedofilia rodeiam igrejas e os ditos porta-vozes de Jesus Cristo há séculos. Estamos chocados porque a violência sexual a crianças é e será sempre um dos atos mais vis e covardes do adulto.

Nas sacristias, nos salões paroquiais, nos cinemas que viraram igrejas, nos carros, nas boleias dos caminhões, nos vãos escuros das grandes cidades, na própria casa, em qualquer lugar onde seja praticado o ato sexual entre adulto e criança, com ou sem o consentimento do menor, essa infração precisa ser alardeada ao poder público. Precisamos, brasileiros, pôr em prática o instrumento da denúncia protegida. O Disque 100 é uma conquista de que não podemos abrir mão. Ligue, denuncie que haverá uma devida investigação e sua identidade será preservada.

O silêncio, o medo, a sensação de que esse não é um problema nosso, nada disso pode impedir o movimento rumo à denúncia. CNós somos vigilantes de uma sociedade justa e, ao tomarmos conhecimento dessa função, podemos estreitar a comunicação entre a comunidade e o Estado. Sou nordestino, baiano de Salvador, e, quando criança, via normalmente as famílias de classe média da cidade trazer do interior meninas para ajudar na casa e, silenciosamente, servir sexualmente aos homens da casa. Eram relatos contados por coleguinhas de escola e de brincadeiras de rua.

Aquele era um Brasil diferente, sem uma consciência de estado de direito, onde era comum as meninas se casarem na entrada da adolescência em troca de favores entre pais e futuro genro, por vezes, muito mais velho que a futura esposa. Queremos ser um país de Primeiro Mundo e não estamos atentando que vidas humanas estão sendo massacradas ainda na infância.

Integrei, nesta semana, o debate no programa Participação popular, da TV Câmara, sobre esse espinhoso tema. Lá, ouvi de representante do Comitê Nacional de Enfrentamento da Violência Sexual Contra Crianças e Adolescentes que há denúncias graves de abuso no entorno das obras do PAC. Ali, segundo o relato doloroso da especialista, aumentou o número de estupros, a gravidez na adolescência e a prostituição. Desenvolvimento às custas de dor e de sofrimento não pode ser permitido no País que aspira ser gigantesco.
Mas ficar chocado é pouco, é transitório. Vamos entrar em estado de alerta.

Disque 100 para denunciar sites e perfis de redes sociais que propagam pornografia infantil… Disque 100 para desabafar sobre o estranho comportamento de vizinhos com crianças… Disque 100 para contar que o amiguinho do seu filho revelou o abuso. Disque 100 para salvar uma vida.

Como é bom ser desejada

2012-01-04T14:04:00.002-02:00

Sérgio Maggio

“Daqui de onde eu me debruço, vejo Brasília se esticar. Sou uma privilegiada. Combino, numa só profundidade de campo, o cerrado e o asfalto a dialogar nessa improvável prosa entre homem e natureza. Quem nunca me viu daí de baixo não sabe o quanto sou desejada. A espécime humana, geralmente, baba diante de mim. Tez macia, brilhante, sem um desvio sequer, que, quando resplandece o sol, é capaz de enlouquecer qualquer engravatado, daqueles que cronometram o tempo para chegar à Esplanada dos Ministérios. Outro dia, um me viu de relance da janela do carro, desviou e se espatifou no balão. Ainda bem que não se machucou, tolinho… Aposentados ficam doidinhos por mim e todo tipo de mulher também, da perua chique à moça simples que trabalha nas redondezas. Sou do tipo que cabe na boca de qualquer um. E isso é para poucos. Bem aqui do alto, por vezes camufladas pela vegetação que quase pinta de verde o céu, eu amadureço na minha condição de objeto de desejo. E sei exatamente em quem eu gostaria de dar o primeiro beijo. A natureza me deu o poder e a perfeição. A doçura e a delícia de ser absolutamente eu. Quero, portanto, escolher exatamente o sabor dos lábios que tocarão em mim, que invadirão a minha carne tenra e explodirão todos os meus sentidos. Essa consciência quase absoluta sobre mim tonteia os seres que passam embaixo. Às vezes, acho muito deles tão ridículos em sua obsessão de me desejar antes da hora. Não sou qualquer uma. Uns chegam a atirar ‘objetos’ para tentar me desequilibrar. Outros, imagine, querem me cutucar para que eu escorregue em seus braços. Patéticos em sua busca, me olham vergando o pescoço como se fossem corujas. E quando dão pulinhos e se agarram em galhos para tentar me alcançar em ângulos bem obtusos? Senhores, senhoras, tenham paciência e entendam a minha magnitude. Essa legião de gente atrás de mim aumenta muito nesta época de chuva. Fico pensando… Esse povo não trabalha? Eles ficam rodeando como formigas em torno do vaso de mel. Tenho muita sorte, eu sei. Nem todas têm o destino que eu tenho. Algumas se perdem cedo. Despencam na vida sem nem ter a condição de amadurecer. Outras adoecem e são violentadas de diversas formas. Eu não. Sou do tipo exportação, sem falsa modéstia. Daquelas de fechar quarteirão. Ter nascido em Brasília é a minha maior dádiva. Aqui, consigo ter a visibilidade de uma estrela. É lógico que a mãe terra foi pródiga comigo. Estou em pleno estado de liberdade. Não tenho data nem hora para me entregar ao primeiro que aparecer na esquina. Sou respeitada como tal e vivo quase uma sina única para quem brota numa cidade. Tenho um sonho. Quando chegar a hora do primeiro beijo, quero que meu escolhido me alcance como Romeu se declarou para Julieta. Estarei na minha sacada quando ele atingir o último degrau e derramar os versos de amor, doce, doce, como meu caldo que se derramará por sua boca, escorrendo e marcando aquele momento único. Nessa hora, terei mil orgasmos e morrerei sob seus beijos. Minhas últimas palavras: ‘Como foi lindo ter nascido manga em Brasília’. Assim cumprirei a minha sina de manga!”

Da série // Arquivos vivos// Antunes FIlho

2012-01-03T16:43:00.003-02:00

Renata D´Elia

A Pedra do Reino em Brasília

Correio Braziliense - DF 30/08/2007

Quaderna dos sonhos

Acalentada há 20 anos por Antunes Filho, a versão teatral da obra de Ariano Suassuna é ponto alto da primeira semana do festival

Sérgio Maggio

Sob coro vigoroso, A pedra do reino é o novo encontro de Antunes Filho com a literatura

É de longa data que o diretor Antunes Filho e o escritor e dramaturgo Ariano Suassuna entreolham-se com certa admiração e desconfiança. Desde a década de 1980, um dos mais importantes homens do teatro brasileiro encasquetou que queria montar no palco espetáculo sobre os romances (A pedra do reino e A história d’o rei degolado nas caatingas do sertão) que revelam as andanças e memórias de Quaderna. Chegou a ensaiar, mas Suassuna segurou o desejo. Queria ver o texto antes de ser montado. Rompera o acordo de intenções sobre a versão teatral da obra-prima literária. O hiato, seguido por cada um a sua forma, desfez-se no ano em que o Brasil se curva para celebrar os 80 anos do mestre paraibano.

O acerto de ponteiros está no palco com A pedra do reino, um dos espetáculos imperdíveis do Cena Contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília. Encenada pelo grupo Macunaíma – residente do Centro de Pesquisa Teatral (CPT), que às 19h apresenta também a montagem Prêt-à-porter 8, no Pavilhão de Vidro do CCBB –, A pedra do reino põe Antunes Filho diante da literatura, o que resultou em espetáculos míticos na história do teatro brasileiro: Macunaíma (1978), de Mário de Andrade, e A hora e a vez de Augusto Matraga (1986), de João Guimarães Rosa. “A pedra do reino é orientada pelo sonho de 20 anos, que por muitas razões foi interrompido. Antunes sempre maturou os dois romances na cabeça, mesmo tendo que partir para outros projetos. Em 2005, voltamos a ensaiar os romances, já com texto reformulado por ele”, conta César Augusto, assistente de direção de A pedra do reino. Antunes Filho não vem a Brasília.

Na montagem, Quaderna conduz os fluxos da narrativa vividos intensamente por coro de atores, que cantam, tocam, interpretam e dançam. Esse vigor suscitou de imediato comparações ao antológico Macunaíma. “O romance é narrado pela subjetividade do Quaderna, é a partir dele que enxergamos tudo. No entanto, não há dicotomia nisso, porque ele é multifacetado. Cabem nele múltiplos arquétipos. Também somos assim. Temos em nós esse coro de foliões. Além da coesão das cenas, há uma energia muito forte nessa encenação, o que nos faz entender a comparação com Macunaíma”, analisa César Augusto.

Antunes Filho dirigiu o espetáculo em processo de criação coletiva com os atores. Muita cenas foram criadas pelos intérpretes e apresentadas ao criador, que depois decidia o que descartava ou incorporava. Assistiram também a vídeos do grupo japonês Ishin-ha, que tem de 80 a 100 integrantes e coordena movimentos e vozes em modelo de partitura (“roteiros silenciosos, músicas não-cantadas e danças não-dançadas”). Quaderna foi exaustivamente testado. Passou por diversos corpos, até cair nas mãos do ator goiano Lee Taylor, de 23 anos. “Lee estava no coro. Faltavam cinco meses para a estréia e Antunes teve uma dificuldade com o ator que fazia Quaderna. Foram propostas cenas para diversos atores. Lee agradou ao diretor. Em 15 dias, ele teve de decorar o texto, que não é pouco”, conta César Augusto.

Quem puder ver os dois trabalhos do CPT no Cena Contemporânea entenderá como o método, em estado puro em Prêt-à-porter, é incorporado na montagem de A pedra do reino. “A técnica é um instrumento, ferramenta para o ator voar, sair desse mundo cronológico. É a possibilidade para ser criador do tempo e do espaço, um demiurgo, criador do universo. Esses exercícios de corpo e voz fazem parte do sistema criado por Antunes e estão, de alguma forma, em cena com A pedra do reino”, destaca César Augusto.

O fantasma da Asa Sul

2011-12-27T20:34:00.003-02:00

Sérgio Maggio

Esta é uma história de fantasma que ocorreu em alguma quadra da Asa Sul, num bloco entre A a Z e em apartamento original da fundação de Brasília. Os nomes dos envolvidos, Haroldo e Reginaldo, são fictícios para evitar àquela invasão ao Facebook dos rapazes.

Tudo começou numa decisão que mudaria as vidas de Haroldo e Reginaldo. O primeiro médico ortopedista; o outro, cirurgião dentista. Namorados, os dois resolveram unir as rendas, os livros de arte e as camisas polos. Procuram um apartamento para alugar e encontraram um sob medida. A cozinha com armários originais, laqueados de vermelho, era um luxo retrô. Mudaram-se em plena semana de Natal.

Era noite quando fenômenos estranhos começaram a acontecer. Na cozinha, Haroldo preparava um filé de peixe Saint Peter ao molho de damascos, enquanto Reginaldo escolhia um vinho verde para o jantar inaugural. Estavam concentrados quando as luzes da sala piscaram. Em seguida, os dois sentiram uma energia pesada correr de um cômodo ao outro como se fosse uma bola de luz, que se refugiou no quarto de hóspede. Assustados, correram para lá. Abriram a porta devagarinho e viram, acredite, o espírito de um urso de pelúcia gigante a dar tchauzinho para o casal.

Até hoje, os dois não sabem com que pernas sumiram dali. Chegaram à sala esbaforidos e, para o desespero, encontraram o ursão tomando uma taça de vinho verde à mesa. Não havia mais o que fazer. O ectoplasma de pelúcia tinha se instalado de vez naquele apartamento e demonstrava total intimidade com o imóvel, caminhando livremente da geladeira ao banheiro.Não havia outra alternativa a não ser clamar algum místico. Haroldo lembrou de um bruxo que despachava em escritório oracular da Asa Norte. Ainda naquela madrugada, o mago estaria presente diante da cena inusitada. Encontrou o casal sentado e o ursão com iPod descobrindo Coldplay.

O caso era grave. Nunca, em toda a lida com entidades, aquele médium tinha visto nada tão bizarro.Dócil, o fantasma urso aceitou participar de sessão em grupo. Ali, toda a verdade foi estabelecida. Aquele ser desgarrado do mundo físico sofreu uma brutal violência ainda, em 1961, quando o chefe de família daquele apartamento o destroçou, não sobrando um enchimento sequer para contar a história de intolerância. Aquele bichinho era o principal confidente de um menino diferente, que não gostava de brincar de futebol, nem desbravar uma Brasília quase inabitada. Só queria saber de brincar com o ursinho. O pai do garoto olhava aquilo com desconfiança. Um dia, perdeu a estribeira ao encontrar o urso e o menino vestidos de coquetes como se fossem a um baile de carnaval. Arrancou a roupa dos dois com violência masculina nunca vista. Em estado de choque, o filho tentou chorar diante da imagem daquele homem a estraçalhar o ursinho querido.

Haroldo e Reginaldo choravam feito meninos amparados pelo urso amigo, que agora, envolto por aquele amor, partia livre para outra vida num raio de luz multicor. O bruxo abençoou a casa e, naquele Natal, os dois deram ursinhos um para o outro.

Anotações sobre Ivete, Gil e Caetano

2011-12-26T10:46:00.004-02:00

Foto: Estevam Avellar/TV Globo

Cadê o DVD?
Depois que foi ao ar o especial Ivete, Gil e Caetano (foto), não para de circular pelas redes sociais o pedido para que a Globo Marcas transforme o especial de fim de ano num DVD. O acabamento da apresentação teve essa intenção mercadológica com cenário à la “acústico MTV” e edição entrecortada por making of, que, aliás, deve ter material riquíssimo para os “extras”, sobretudo, pela conhecido jeito de ser de Ivete, que chegou a estar tão solta, sem seguir roteiro. Um dos momentos de descontração absoluta justificou-se para Caetano: “tô assim porque já recebi o cachê”.

Só deu Ivete
Ajudada pela direção do especial, Ivete Sangalo engoliu, com a presença cênica, as figuras de Caetano e Gil, comportados, como bons senhores, em seus ternos escuros. Enquanto ela ficava de pé, no centro e de blusa branca, o qeu deu um natural destaque, eles permaneceram sentados e, comentando, com vozes comedidas, as estripulias de Ivete. Dona da autêntica espontaneidade baiana, ela deitou e rolou, arrancando gargalhadas da plateia de famosos e calando a todos, nos momentos mais dramáticos de interpretação. Os anfitriões só levantaram ao fim quando caíram no samba.

“Participar de um programa como este, é um combustível para a criatividade. Um presente luxuoso a ser guardado na memória”,
Ivete Sangalo

Plateia de novelas
Há tempos nunca se viam tantos atores globais numa plateia só. Parecia a reunião para gravar a vinheta de fim de ano da Globo. Carolina Dieckmann era uma das mais empolgadas, entoando alto as canções do repertório fácil do show. Susana Vieira entrou em closes sempre com o ar de mulher apaixonada ao lado do namorado. Flora e Preta Gil tiveram as emoções transmitidas a milhões, principalmente, quando Gil interpretou o poema A linha e o linho. Nesse momento, Ivete fez questão de afirmar que era uma canção feita para Flora.

Extremamente fácil
Apesar do encontro para cima, como pontos altos como A luz de Tieta, o repertório de Ivete, Gil e Caetano foi extremamente óbvio. Parecia que, boa parte dele, foi montado numa operação “Ctrl C” + Ctrl V” da turnê Caetano e Maria Gadú.

Maldades
Nas redes sociais, o especial foi aos picos da lista dos mais comentados. É claro que não faltaram piadas de todo o tipo, principalmente, tendo como alvo Claudia Leitte, suposta algoz de Ivete Sangalo. Outros, irônicos, lamentaram o trio não ter cantado Arerê e Pererê, dois sucessos de carreira.

Tinindo

Recuperada da meningite, Ivete Sangalo comandará a festa da virada dos cearenses, na praia de Iracema. “Estou muito feliz de fazer essa festa em Fortaleza. Esse lugar tem uma energia muito boa, é uma forma maravilhosa de dar as boas vindas ao ano novo”, conta Ivete. Lá vai cantar as canções de carreira como Arerê, Sorte grande, Na base do beijo, Acelera aê e Qui belê — aposta da artista para o verão 2012.

Biquíni da cor de pequi

2011-12-25T15:02:00.003-02:00

Sérgio Maggio
Quem passou de carro, hoje de madrugada pela Esplanada, deve ter ficado de cabelo em pé. Estava lá, no meio da Praça dos Três Poderes, uma mulher seminua a dançar sob a chuva, como se estivesse num ritual. Usava um biquíni amarelado de estampas fortes a mostrar a silhueta bem talhada. Parecia uma aparição, uma deusa, mas era real. Maria Linda, eis o nome dela, brindou o Natal com o corpo virado para os monumentos de Niemeyer. Não pense que ela é louca, teve um surto ou fez uso abusivo de droga ilícita. O banho de água que a mulher levou era uma forma de louvar Brasília, cidade a que a migrante chegou faz pouco mais de duas semanas.
Aqui para trabalhar em uma repartição de ministério de alguma coisa, Maria Linda aterrissou com apenas duas malas. Em uma, trouxe sapatos, vestidos, cosméticos, roupas íntimas, calças e livros; na outra, bem pesada por sinal, só havia a extensa coleção de maiôs, biquínis e sunquínis, que acumula há incontáveis verões. Em dezembro, imaginou ela, se esbaldaria nas cachoeiras, piscinas naturais, lagos, lagoas e riachos que cortam o Cerrado. A expectativa era de, antes de entrar no expediente, dar um mergulho na Água Mineral, de onde tratou logo de ficar sócia antes mesmo de assinar a carteira de trabalho.
O que ela não podia supor era que, desde a sua chegada, só chove, chove… Por várias semanas, foi trabalhar com diferentes modelitos de biquínis por debaixo da roupa discreta, com a qual despacha no gabinete do ministro de alguma coisa. Movida pela esperança de o sol abrir no cair da tarde, paramentou-se dos melhores tipos. Afinal, não queria estrear com um design qualquer. O de sexta foi comprado numa viagem à Tailândia. O do dia anterior, em Caruaru, Pernambuco. Mas, como todos sabem, nesses dias de dezembro, só chove, chove…
Certa tarde, fim de expediente, Maria Linda botou os olhos na cachoeira que desaba pela fachada do Palácio da Justiça. Ficou simplesmente louca de desejo. Encostada numa barraquinha de salada de frutas, esperou a noite escurecer a Esplanada. Foi para trás de uma planta ornamental, provavelmente de Burle Marx, tirou o vestido rosa pastel e exibiu o corpo talhado num maiô com a pintura vibrante do rosto de Leila Diniz. Quando estava pisando na água fria da piscina do monumento, luzes estouraram, como flashes de paparazzis, sobre ela, o que a fez congelar como se fosse uma escultura de Alfredo Ceschiatti. Pensou que era a Polícia Federal, que seria presa e exonerada do cargo importante. Que nada! Era a nova iluminação de Natal, que ligou automaticamente justo naquele minuto em que Maria Linda se encontraria com as águas.
Na véspera do Natal, sem família, amigos e peru recheado, Maria Linda tomou uma decisão. Espalhou pela cama do quarto do hotel todos os biquínis possíveis. Não achou nenhum que combinasse com a ocasião. Pegou o metrô e foi à Feira do Guará. Acho um incrível, da cor de pequi, com frutos do Cerrado espalhados pelas duas peças. Paramentou-se toda e seguiu para a Esplanada para o batismo. E foi assim debaixo de chuva, que ela saudou as águas do Cerrado, vindas do céu, caídas por terra. Com a cabeça encharcada, fez ainda um belo canto para Oxum, a deusa que conduz a sua cabeça. De carro, ainda pude ouvir ela entoar, em iorubá, “oraiêiêô…”

Louco rapaz de Brasília

2011-12-22T12:56:00.002-02:00

Sérgio Maggio
Parecia uma miragem. Entre as filas de carros que fluíam em velocidade, formava-se a imagem de uma figura humana. Ali, na fresta alinhada entre uma faixa e outra dos automóveis, surgia um homem de vestes limpas no primeiro golpe de vista. Ele caminhava em sentido contrário ao ritmo voraz das máquinas. Era um rapaz de presumíveis vinte e poucos anos. Não estava sujo com a poeira das ruas. Parecia que tinha acabado de sair de algum lugar. Falava coisas em métrica alucinada. Não se conseguia entender o que ele dizia. Eram frases rápidas e balbuciadas em tom de murmúrio.
Passei por ele na perspectiva de quem dirige. Tentei em vão encontrar os seus olhos. Eles estavam vidrados, fixos em direção ao infinito. Pelo retrovisor, via que esse rapaz mirava o horizonte preenchido por um céu borrado de nuvens pesadas, que anunciava a tempestade. Caminhava a passos duros e retos para esse cenário. Meu coração apertava, tentava preencher o vazio que se formava no rastro do caminhante anônimo que cruzava por mim e me desprezava.
Ele sumiu e eu segui sem querer preencher essa narrativa fragmentada. Sempre respeitei a loucura. Desde pequeno, fui advertido que não deveria zombar dos “malucos”. De alguma maneira, pus isso em prática. Entendi, com o tempo, a complexidade do surto sem exercitar uma execrável piedade. Ao longo da vida, vi algumas pessoas espatifarem o dito “estado normal”. Estive perto de algumas quando integrei a luta contra os manicômios que aplicam choques elétricos, dopam a alma e amarram o corpo que se debate.
Vi a dignidade em tratamentos que se associavam à atividade cultural. Numa unidade modelo do Manicômio Juliano Moreira, em Salvador, havia uma rádio com programas feitos pelos internos. Eles faziam uma radionovela e, na hora de gravar, colocavam tudo pelo avesso. Um dia, a mocinha, no ar, desprezou o herói e declarou-se apaixonada pela vilã. Ficaram juntas e felizes para sempre. Assim acabou aquele insólito último capítulo, sem se submeter a regra social e fins feitos. Rimos todos juntos, “sas” e “loucos”, da capacidade criativa e criadora que o paciente portador de transtorno mental, para ser insuportavelmente correto, possui.
É preciso entendê-los com olhos admirados e coração transbordado de esperança e de carinho. Talvez saiba melhor dessa condição quem experimentou na pele a experiência de conviver com a loucura, em seus mil labirintos. Por vezes, capaz de se converter numa força produtiva, que fragmenta a chatice do real em estilhaços de sensações. Todo artista sabe que precisa de uma dose de loucura para criar algo capaz de levar o espectador a outro campo de experiência. Acessar esse universo quebra padrões e alimenta possibilidades nunca vividas. Acho que foi assim que absolvi a imagem do rapaz que contrariava o sentido da Brasília cidade de automóveis. O vi como uma metáfora, como uma cena de teatro. Ele seguiu e sumiu numa tempestade que está por vir. Agora e aqui, penso: Será que tudo isso foi verdade? Ou uma alucinação de mais um que enlouquece a olhos vistos na capital federal?

Oficina de Teatro no DF

2011-12-21T16:41:00.002-02:00

João Paulo Oliveira e J. Abreu em homenagem a Plínio Marcos

O ator e diretor J. Abreu, que faz o projeto Mitos do Teatro Brasileiro, ministra várias oficinas de férias em janeiro de 2012

Os(as) participantes vivenciarão noções do fazer teatral tendo como conteúdos básicos:

a – o corpo – características e posturas.

b – a voz – identidade do personagem.

c – a encenação – experiência com leituras dramáticas, improvisações e criação de textos.

Valor: R$90,00

Inscrição no primeiro dia de aula

TURMA 1 - ADULTOS

Duração: de 09 a 20 de janeiro de 2012.

Horário: de segunda a sexta das 19h30 às 21h30

Local: Escola Parque da 313/314 Sul, entrada pela w2.

TURMA 2 - ADOLESCENTES (de 12 a 17 anos)

Duração: de 09 a 20 de janeiro de 2012.

Horário: de segunda a sexta das 16h às 17h30

Local: Escola Parque da 313/314 Sul, entrada pela w2.

TURMA 3 - INFANTIL (para crianças de 08 a 11 anos)

Duração: de 09 a 20 de janeiro de 2012.

Horário: de segunda a sexta das 14h às 15h30

Local: Escola Parque da 313/314 Sul, entrada pela w2.

Informações: (61) 9937-7180.

Recomendação: uso de roupas confortáveis para os exercícios.

Outras informações pelo e-mail:

cursodeteatronodf@gmail.com

Cursos regulares a partir de março de 2012

O DF não se divide!

2011-12-19T21:04:00.002-02:00

Tango Abrazo
Pintura: Ida O.

Sérgio Maggio

A sinuca de Zuleika Marrom fica no Setor de Chácaras Perdidas Norte (SCPN), onde Osama Bin Laden e Kadafi poderiam muito bem estar vivinhos da silva, caso estivessem escolhido aquele lugar para se refugiar dos algozes. Por lá, alguns pés de pessoas passam, sobretudo, aqueles que seguem o caminho de rato rumo àquela casa de espírito romanesco, tirada de alguma história de Jorge Amado. Debruçada com os peitos fartos sobre o balcão de fórmica vermelha, a matriarca assiste aos mesmos frequentadores em suas conversas descompassadas do tempo. Na última segunda-feira, estavam ali, o apaixonado casal Seu Troinha e Zizi Colhudinha a comentar sobre a decisão de manter a integridade territorial do Pará. Romântica, Zizi aplaude a vitória em manter aquele estado com uma única capital.

— Não gosto desse negócio de arrumar as trouxas. Fico tão arrasada quando vejo um casamento se desmanchar quanto mais um estado. Sou pela união.

A frase de Zizi é dita bem nas fuças de Seu Troinha, o homem que ela pediu a Deus, obediente aos seus caprichos. É bem nesse instante, quando ainda ecoa a última silaba da sentença moralista da moça, que sobe uma faísca de ira em Zuleika Marrom. De fogo, ela, bem pirracenta, enquanto entorna um copo de cerveja na goela, levanta a voz e diz:

— Zizi, minha filha, você não tá sabendo? Vão dividir o DF. Colocarão, no mapa, três pontinhos, entre o D e o F. No D, de dinheiro, vão ficar Brasília, Cruzeiro, Vila Planalto, os Guarás, Águas Claras e o Setor de Mansões de Taguatinga. No F, de f*, todo o resto.

Dramática, Zizi se exalta, ergue uma das mãos, encarna uma Maria Bethânia básica, sobe na mesa e emenda o discurso dos traídos.

— O DF não se divide. É como separar Oscar de… Niemeyer. Lucio de… Costa. Conceição de… Freitas. Lobo de… Guará.

Termina cantando o refrão — “Carcará, pega, mata e come”. O que arranca palmas efusivas da provocadora Zuleika Marrom. Quando ainda colhia os louros da performance, Zizi é surpreendida pela voz mansa e incisiva de Seu Troinha, jornalista, cinéfilo e amante voraz do sexo.

— Não sejam hipócritas. O DF nasceu dividido. Candangos de um lado em suas palafitas e ricos do outro em seus pilotis. Sugiro que se assuma essa divisão. Vamos construir o palácio do governo na Expansão do Setor O e fazer da Estrutural a capital do F.

Zuleika Marrom fica assustada com tamanha verdade. O silêncio se faz… até que a dona daquele estabelecimento balbucia:

— Todo estado novo precisa de uma Câmara Distrital, de 24 deputados, de emendas e de dinheiro público para verba de gabinetes e auxílios diversos….

Zuleika prossegue:

— Gente, desculpa, tudo isso que falei foi invenção para animar esse tempo besta que não passa. O DF vai continuar assim, juntinho, sem três pontinhos…

Adeus a Sérgio Britto

2011-12-19T20:53:00.001-02:00

Sérgio Maggio

Publicação: 18/12/2011 09:12 Atualização:

O ator na peça As pequenas raposas, em 2005

Rio de Janeiro — Nunca tinha ouvido tantas palmas se desdobrarem como uma melodia sem fim. A onda de energia tomava o Teatro Sesc Anchieta (São Paulo) como uma tradução de amor explícito. O palco já estava vazio. Há um minuto, Sérgio Britto tinha dado vida ao frágil Alberto, da peça Recordar é viver, de Eduardo Tolentino. O aplauso sem fim continuava, aumentava, pedia para que ele voltasse. Um dos maiores intérpretes do teatro brasileiro retornava, curvava-se e agradecia, com voz trêmula, o carinho infindável. “Desculpe, não lhe dar muita atenção. Você viu o que aconteceu ao fim? Quantas palmas? Estou muito emocionado. Nem falaria nada, mas resolvi voltar e agradecer a esse público contagiante, obrigado!”, contou Sérgio Britto, no foyer do teatro lotado, que marcou a estreia da temporada paulista em janeiro deste ano,

Alberto foi o último personagem de Sérgio Britto. A peça toda ele passava dizendo a frase “há tempo”, numa metáfora para a vida que se escoava minuto a minuto. Era um tipo caro porque dialogava com a própria condição humana do ator, com interface intensa com a velhice, com a fragilidade do corpo físico e a luta para vencer as barreiras da idade. Na manhã de ontem, o tempo se esgotou. Sérgio Britto não conseguiu sair de mais uma internação. Morreu aos 88 anos de insuficiência respiratória e deixou um legado espantoso à cultura brasileira. Ele estava internado há cerca de um mês, por conta de problemas cardiorrespiratórios.


Admiradores lotam a Assembleia Legislativa do Rio

Pelo seu corpo, passaram dos tipos clássicos de Shakespeare aos suburbanos de Nelson Rodrigues. Não deixou de experimentar dramaturgias. Um dos grandes feitos contemporâneos foi a montagem de peças curtas de Samuel Beckett, no qual explorava a fragilidade do ser humano, correndo seminu e cambaleante no palco. “Por dentro, eu estou tinindo, estou forte como um rapaz cheio de tesão”, disse na época em que esteve com a peça em Brasília.

Formado em medicina, Sérgio Britto descobriu a vocação pelas mãos de Ester Leão, uma das primeiras mulheres a assumir a função de direção de ator no país. No Teatro Universitário, iniciou-se pelas palavras do clássico Romeu e Julieta, de Shakespeare. Depois, encaminhou-se para o Teatro do Estudante do Brasil, de Paschoal Carlos Magno. Ali viveu Horácio, na antológica montagem de Hamlet, que consagrou o talento de Sergio Cardoso. “Cada um precisa descobrir a sua paixão. A minha veio dos palcos.”

Tudo acontecia tão rapidamente que parecia não ter volta. Sergio olhava a medicina com distância e o teatro como urgência, o que levou a fundar companhias históricas, que ajudaram a modernizar o fazer teatro no Brasil, como o Teatro dos Sete, na companhia de Fernanda Montenegro, Fernando Torres, Ítalo Rossi, Gianni Rato. Eles foram responsáveis por alguns feitos, como a primeira montagem de Beijo no asfalto, polêmico texto de Nelson Rodrigues, que resultou numa tumultuada temporada em 1961, com direito a protestos e gritos moralistas em plena sessão.

Evolução
Ator de composição, que se descobriu com essa capacidade na labuta de fazer teleteatro ao vivo na TV Tupi, Sérgio Britto sabia como poucos criar um RG para cada personagem que erguia no palco. Foram muitos e, por meio deles, é possível contar a evolução do teatro brasileiro. “A gente saía correndo do teatro e ia para o estúdio de tevê ensaiar e gravar o teleteatro de madrugada. Foi uma escola sem precedente que experimentei.”

Com essa formação intensa nos anos 1950 e 1960, Sérgio Britto desempenha, nas próximas décadas, um papel fundamental na consolidação do teatro de ator. Funda sua própria produtora e escolhe a dedo os personagens e as peças que ele deseja representar. Não é mais uma. Cada uma era única, em sua entrega absoluta e sacra ao palco. Foi assim, em 1974, com Os autos sacramentais, de Calderón de la Barca. Com produção de Ruth Escobar, Sérgio Britto surge nu em cena aos 51 anos, numa montagem que foi proibida pela ditadura brasileira, mas percorreu o mundo por seis meses, do Irã à Europa.

Inquieto, desdobra-se como ator, diretor, produtor e ativista cultural. É um dos fundadores da Casa das Artes de Laranjeiras (CAL) e assume o papel de primeiro diretor artístico do Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) do Rio de Janeiro, em 1989. Consumidor voraz de cultural, apresentava um dos melhores programas do gênero na TV Brasil, A arte de Sérgio Britto, no qual compartilhava semanalmente o gosto por cinema, teatro, ópera, leitura e viagens. Nos bastidores, era o xodó das camareiras. Ano passado, lançou uma autobiografia, O teatro e eu, que venceu este ano o Prêmio Jabuti. O livro tem um texto picante, sincero, confessional e revelador dos bastidores da vida de um ator devotado. Ali se aprendem muitas lições. Uma delas como viver com 80 e muitos anos. Seu corpo será enterrado hoje no Cemitério do Caju.

Eta Bahia porreta

2011-12-05T14:37:00.001-02:00

CartaCapital: A partir de 2004, o Nordeste passa a apresentar avanços importantes. Houve crescimento econômico e melhora na renda. Mas como o Nordeste poderia contribuir para um projeto de desenvolvimento nacional?

Antonio Risério: A definição de “Nordeste” é mais histórico-política do que eco-antropológica. O oeste baiano, por exemplo, não se conecta com o Agreste pernambucano ou o Alto Sertão de Sergipe, mas com o Planalto Central do País. Antropologicamente, a região não é homogênea. Mas vamos falar dela assim mesmo, como se fosse um conjunto. E esse conjunto de fato experimentou notável desenvolvimento econômico e social nos últimos anos, com o avanço, em especial, de Pernambuco e do Ceará. Pernambuco decolou. Tem um projeto claro e consistente de desenvolvimento sócio-econômico, configurando-se a partir da racionalidade administrativa e do diálogo real com a sociedade. Suape é super-signo desse processo. E Pecém é o Suape do Ceará, que também apresenta obras e projetos como o “cinturão digital”, o “eixão das águas”, o metrô do Cariri e investimentos em saúde e educação. Temos grandes obras de infraestrutura na região, da Transnordestina à transposição do São Francisco. Mas é claro que há pedras e pedreiras no caminho. O Nordeste tem projetos particulares, estaduais, mas não tem um projeto global de desenvolvimento, como chegou a acontecer na época de Celso Furtado, e isso fragmenta as ações e realizações. Nossos governos agem pontualmente, sem o alto grau de coordenação que poderiam alcançar, até mesmo por conta de sua proximidade política. A tal da “nova Sudene” nunca deu o ar de sua graça. Grandes empreendimentos privados ainda tendem a se implantar como enclaves na paisagem nordestina, sem uma articulação orgânica com o entorno e satisfeitos com o fato da região ser um celeiro de mão de obra barata. E ainda temos a ideologia das pequenas obras, a mentalidade de cisternas da Igreja católica, por exemplo, como se ela mesma nunca tivesse construído catedrais. Agora, o Nordeste já está contribuindo vigorosamente para o desenvolvimento nacional. O avanço econômico e social significativo de uma região vasta e pobre tem repercussões positivas em todo o País. O que está faltando é o Brasil se convencer de que sua realização nacional plena passa pelo Nordeste. E o Nordeste se convencer em termos objetivos de que tem de avançar na inovação.

CC: É possível identificar alguma mudança na imagem que o nordestino tem de si mesmo, a sua autoestima mudou?

AR: Sim, isso é muito claro em Pernambuco e no Ceará, mas é visível também em Sergipe, em muitas cidades nordestinas. O curioso é que houve uma inversão: os baianos de Salvador e do Recôncavo, que sempre foram extremamente orgulhosos e narcisistas, hoje andam de cabeça baixa. Enquanto a autoestima dos moradores do Recife, de Fortaleza ou de Aracaju está lá em cima, a dos moradores de Salvador desabou. Na verdade, a Bahia, apesar de sua posição no ranking da economia brasileira, está ficando para trás. Há não muito tempo era ela que se industrializava, montava um polo petroquímico, firmava-se como vanguarda cultural etc. E Pernambuco pouco mais era do que um engenho. O panorama mudou. Penso que o problema central de Jaques Wagner é que, por não ter um projeto claro para a Bahia, ele não sabe o que fazer com a hegemonia que conquistou. Limita-se a tocar obras federais. É por isso que digo que hoje a Bahia tem a faca e o queijo, mas falta a mão. E Salvador é uma cidade abandonada, suja, destruída, com o pior prefeito de sua história. Mas de um modo geral é evidente, para qualquer observador, que a autoestima do nordestino se elevou. E que não foi pouco. Muitos inclusive deixam hoje o Sudeste e voltam para seus lugares de origem, orgulhosos de que estas sejam agora terras de prosperidade e de oportunidades.

CC: E o restante do Brasil, como vê o Nordeste?

AR: Há um novo olhar, sim, mas circunscrito a pequenos segmentos da sociedade: empresários, políticos, jornalistas, cientistas etc. Em plano de massas, não. A mudança ainda é muito pequena. A mentalidade sudestina (sim: assim como existem nordestinos, existem sudestinos), de um modo geral, ainda é povoada por velhos estereótipos e preconceitos. E esse olhar antigo sustenta-se não só pelo que há de sedimentado naquela mentalidade e pela desinformação sobre o que está acontecendo atualmente no Nordeste, mas também porque, embora o Nordeste avance, os desequilíbrios regionais brasileiros ainda são um escândalo. Ainda faz diferença hoje o lugar onde o brasileiro nasce. A perspectiva de futuro de um brasileiro que nasce em São Paulo ou no Rio Grande do Sul ainda é muito diversa daquela de uma brasileiro que nasce no Piauí ou na Paraíba. É cruel, mas é verdade. De qualquer sorte, aqueles pequenos segmentos sociais a que me referi vão acabar influenciando, por seu próprio peso, o conjunto do mundo sudestino e transformando o olhar das populações do Centro-Sul e do Sul. É uma questão de tempo.

CC: Essas transformações positivas que ocorreram na região tiveram reflexo direto no resultado das últimas eleições presidenciais. Isso deve acontecer também nas eleições de 2014?

AR: O Nordeste fechou com Lula e Dilma. E acredito que o voto na esquerda deve persistir. Ainda que em termos variáveis a região continue crescendo e distribuindo renda. E tem lideranças de ponta, com ampla base social. Mas eleições dependem também de gestos, tendências e influxos conjunturais. Não é um jogo de cartas marcadas com muita antecedência. E não sabemos qual será exatamente a situação brasileira em 2014. As classes C e D tendem a ser conservadoras e pragmáticas. Não querem coisas espetaculares ou espetaculosas, mas prosaicas e elementares. Querem segurança, saúde, escola e o pão de cada dia – agora, com manteiga. Querem garantir o lugar que conquistaram na estrutura social e assegurar a possibilidade de continuar ascendendo. Seu voto tende a ser sério, em termos morais e administrativos. Contra a corrupção e pela eficiência. Eduardo Campos viu isso muito bem, ao atualizar o modo de gestão do governo pernambucano. Não se trata de mero regionalismo empresarial, mas de perceber a questão técnica como questão social, direcionando melhor o dinheiro público. E ele é sem dúvida a grande personalidade política nordestina hoje, projetando-se consistente no horizonte nacional.

CC: Ocorreram mudanças relevantes no quadro de políticos eleitos no Nordeste? O coronelismo ainda vive?

AR: A grande mudança política nordestina foi a guinada à esquerda. Em Sergipe, com Marcelo Déda ganhando a prefeitura e, depois, o governo do estado. Na Bahia, com Jaques Wagner, um político de habilidade extraordinária, desmantelando o “carlismo”, para depois cooptar muitos de seus quadros. No Ceará, com Cid Gomes exibindo um ótimo desempenho como gestor, Ciro rasgando a roupa de reis e reizinhos, Luizianne à frente de Fortaleza. Em Pernambuco, com Eduardo Campos, Humberto Costa no Senado, o PT na prefeitura. Na Paraíba, com Ricardo Coutinho, e no Piauí, com Wilson Martins. E vemos a aprovação dada em reeleições. Hoje, para onde Eduardo Campos for, o voto de Pernambuco vai. Guinada nordestina à esquerda, como disse, porque são quadros do PSB e do PT. Esses partidos comandaram politicamente a configuração de um novo Nordeste em construção, respondem às novas realidades criadas e encarnam necessidades e desejos regionais, abrindo caminho para que se realizem. Penso que, ao somar capacidade executiva e disposição para incorporar a inclusão como peça-chave do próprio desenvolvimento, PSB e PT, principalmente o PSB, são mesmo os partidos mais preparados para tocar o barco do crescimento econômico e do avanço social do Nordeste. Já o coronelismo pertence a uma estrutura agrária e a um mundo político que não mais existem, a não ser que reste em algum grotão esconso, como os que aparecem no romance de Guimarães Rosa. A urbanização, a industrialização, a expansão do mercado, a impessoalização das relações de trabalho, o regime democrático (com sindicatos, partidos, a atuação da Igreja etc.) e os meios de massa fizeram do coronelismo um dado de interesse meramente arqueológico.

CC: O que ocorreu de relevante em termos culturais na região? O que ocorreu na Bahia, em Pernambuco e nos outros estados?

AR: Pernambuco, de uns tempos para cá, vem se convertendo na vanguarda do Nordeste, da arrancada industrial à criação cultural. Basta pensar na música e no cinema. Não dá para comparar axé music e manguebeart. E é interessante porque Chico Science e o manguebeat nascem do tropicalismo baiano. É claro que há o rap, a valorização da percussão a Olodum, a música tradicional nordestina, o rock pesado etc., mas tudo sob o signo maior da Tropicália. A Bahia, ao contrário, estacionou na banalização, na redundância, na autocomplacência desinformada. Axé music é pastel de vento, manguebeat tem substância. De um modo geral, também o novo cinema pernambucano está alguns passos à frente. É o que há de mais interessante no atual cinema nordestino. E em ambos os casos, na música e no cinema, a moçada pernambucana encara de modo direto e crítico a realidade envolvente. Mas penso que a principal virtude pernambucana, nesse processo, é saber preservar suas tradições e ao mesmo tempo inovar. É manter o seu carnaval maravilhoso, seu frevo e seu maracatu, e também alimentar a inquietude estética. Isso é o que mais interessa: a dialética entre a tradição e a invenção.

A poesia de Dina Brandão

2011-11-29T10:07:00.001-02:00

Sérgio Maggio
Publicação: 29/11/2011 08:48 Atualização:

J. Abreu e Dina Brandão em Mitos do Teatro Brasileiro Nelson Rodrigues

Desde 1977, Dina Brandão estava prenhe de um rebento que se alimentou e cresceu em seu útero até irromper hoje ao mundo. O filho poético, batizado de Do amor e seus descabelos, corre solto, livre das entranhas, e enche o leitor de possibilidades com versos, missivas, ensaio e o que a autora chama de plano de voo. Conhecida e respeitada no DF pelo exercício de atriz (para muitos, é uma diva), ela lança o primeiro livro solo depois da parceria com Vicente Sá em Ironia dos deuses, naquele distante 1977. “Foi uma obra feita bem no clima mimeógrafo, eu datilograva as poesias na máquina Olivetti de meu pai, depois recortávamos e colávamos tudo artesanalmente. Vendemos tudo na noite de autógrafos”, ri Dina.

Trinta e quatro anos depois, o nascimento de Do amor e seus descabelos obedece a outros procedimentos. Dina Brandão juntou as economias e pagou do bolso a edição caprichada e vistoriada pelo seu olho clínico. O livro tem belíssimas ilustrações de Tânia Botelho, prefácio do jornalista Fernando Marques e orelha de Vicente Sá: “Quem viu não esquece jamais. Uma pequena poetisa-bailarina de cabelos esvoaçantes a passear de mãos dadas com a poesia pela grama do Elefante Branco e pelas quadras de Brasília dos anos 1970”, escreve o amigo.

O que Vicente Sá viu em certa medida está espalhado pelas páginas de Do amor e seus descabelos, que é lançado hoje, às 19h, no Café Savana (116 Norte), numa noite em que Dina Brandão promete estar como seus versos: “Ontem desaguei um temporal./ Inundei minha casa, as ruas, as quadras./ Saí encharcando de lágrimas/ O cerrado do Planalto Central”.

O livro segue entre poemas numa viagem pelo tempo lúdico de Dina Brandão e recai em missivas sem destinatário, prosas poéticas sobre amores de todas as naturezas: “Ganhei também umas mangas bem madurinhas que chupei com uma boca tão gostosa de atrair abelhas fora de órbita, disputando o melaço que eu deixava escorrer pelos braços, e o queixo amarelo de tanta manga!”.

Leia poemas do livro:

Jejum
Laço com o meu olhar
Tudo que me é aprazível
Ao olfato e ao paladar
Às vezes a fome me engole
Ora a gula me devora

Notícia

A imprensa com seus impropérios
Derruba impérios

Selva Concreta

Flagrei um beija-flor

Tentando extrair o néctar

Da flor pichada no muro

Com certa elétrica.

Breu ainda ecoa em mim

2011-11-25T12:39:00.010-02:00

Sérgio Maggio

Foto de Paula Huven

O tempo em Breu, espetáculo que esteve em cartaz no Teatro II do CCBB Brasília e agora se prepara para estrear no CCBB Rio (a estreia é 18 de janeiro), é uma categoria que ultrapassa a condição de elemento propulsor da narrativa. O tempo em Breu é a matriz dramatúrgica, o esqueleto, a alma do espetáculo sensível, quase no campo dos sonhos, de Miwa Yanagizawa e Maria Silvia Siqueira Campos. É diante dessa categoria de tempo que as diretora assentam cada elemento cênico da montagem.

A dramaturgia de Pedro Brício, por exemplo, ganha plenitude diante do espectador ao ser sentida pelo viés temporal. Tudo de essencial sobre o espetáculo é dito nas primeiras frases, quando os espectadores são lançados ao desconforto da escuridão total. Ali, desemparados do sentido primordial da visão, ouvimos as palavras-premissas de uma história-síntese que vai se alargar na próxima hora. Só depois as ideias, como estilhaços, ganham dimensão quando entram em conexão com o escoamento quase em ritmo de butô da narrativa.

As duas personagens (vividas em detalhe pelas atrizes Andréia Horta e Kelzy Ecard) em estado sensível de construção, são quase como borrões, que se significam dentro de um cenário realista, onde, numa luz de penumbra, que fala e diz tanto quanto as palavras, se pode observar cada detalhe daquela cozinha, pode se sentir o cheiro de café, e o desejo de comer cachorro quente. A memória é instigada em cada elemento que parece dialogar com o passado-presente de cada espectador. Eu vi ali muita coisa que diz de mim.

O convite é para sermos voyeurs do encontro entre duas mulheres que aparententemente se compõem diante do espectador. A expectativa doutrinada de se encontrar um ritmo lógico para essa narrativa desaparece à medida que a direção conduz a plateia para um outro campo de raciocínio, mais circular e feminino, menos cronológico e masculino. A sensação é de que é preciso olhar para Breu com olhos da alma, daqueles que não precisam mirar no relógio para ver o avanço dos minutos de montagem. É preciso olhá-lo como quem entende o tempo de outra maneira, do cair e do acordar do sol, dos avisos da natureza, sem os anseios de entender o todo, mas com o intenso prazer de viver cada pedaço.

A iluminação de Tomás Ribas e a direção de arte/cenário de Aurora dos Campos, Miwa e Maria Silvia contribuem para a composição desse movimento suave que a peça se impõe aos olhos, Breu é uma delícia sensorial que passa pelo corpo do espectador e deixa marcas, sons, cheiros e sentidos. Nunca tinha visto falar do horror da ditadura de uma maneira tão súblime. Talvez toda a conexão de Miwa, por exemplo, com os antepassados japoneses explique esse doce cheiro de cozinha de avó que continua em mim mesmo depois da peça partir de Brasília.

Um poema para Dina Sfat

2011-11-24T14:33:00.001-02:00

Público se emocionou em homenagem a Dina Sfat no Mitos do Teatro Brasileiro

Mariana Moreira

Publicação: 24/11/2011 09:51 Atualização:

A emoção, as imagens, a presença cênica, a humanidade, as ideias. Num mosaico composto por teatro, vídeos e depoimentos, a atriz Dina Sfat foi evocada em sua inteireza, durante o encerramento do projeto Mitos do Teatro Brasileiro, na noite da última terça-feira, no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB). Sua força feminina, artística e política estava por toda parte: na areia e no pôr do sol do deserto, origem de sua família, levados ao palco em uma das cenas. Nas inúmeras fotos projetadas, que derramaram sobre o público seus olhos grandes e expressivos. Na voz dos colegas Maria Alice Vergueiro e Ednei Giovenazzi, que reviraram seus baús de recordações ao lado da amiga e colega de ofício.

O primeiro ato da exaltação à atriz foi o miniespetáculo Arena conta Dina Sfat, biografia teatralizada com base no método curinga, criado por Augusto Boal. Algumas pessoas da plateia foram colocadas no palco e sorteavam a ordem das cenas, escritas pelo diretor-dramaturgo Sérgio Maggio e interpretadas por J. Abreu e Juliana Drummond. Durante 35 minutos, fizeram um passeio por fatos marcantes de sua trajetória.

No princípio, havia a força das mulheres da família Kutner. (Sua avó, vinda de Sfat, cidade israelense conhecida como centro artístico e berço da cabala, sempre dizia: “Goza, minha filha. Goza e aproveite tudo o que puder”). Outros fragmentos relembraram o encontro com o marido, o ator Paulo José, e o mergulho no teatro politizante do Arena (a atriz chegou a participar de uma temporada de Eles não usam black-tie. No início, ela não era politizada, mas adorava ser porta-voz daquelas ideias). Seu enfrentamento à ditadura ganhou um capítulo especial. Durante a participação em um programa de televisão, teve um confronto velado com um general. Enquanto ele se vangloriava do regime ditatorial, a atriz reagia silenciosamente, com as expressões faciais. Ao ser questionada pelo militar se teria alguma pergunta para ele, respondeu: “Tenho medo de generais.”

O desabafo da pantera
Em sua fala, a atriz Maria Alice Vergueiro emocionou-se e tocou a plateia, ao traçar um paralelo entre a sua trajetória e a da amiga. Separada, com filhos pequenos, vinda da alta sociedade, a musa do Tapa na pantera sequer sabia se queria mesmo ser atriz. Tímida e desajeitada no ambiente masculino do Arena, sentia-se rejeitada por seus pares. Dina, percebendo sua fragilidade, a acolheu e aconselhou: “Bota pra quebrar”. “Hoje, entendo bem o caminho que ela me indicou e é um prazer estar aqui com ela comemorando essa luta da mulher. Dina misturou a família, pulou no palco e botou pra quebrar”, reconhece.


Ednei Giovenazzi e Maria Alice Vergueiro emocionaram-se ao falar de Dina, enquanto Juliana Drummond e J. Abreu encenaram a biografia da atriz

Surpreso com o teor da homenagem, Ednei Giovenazzi, colega da atriz em inúmeras novelas e montagens teatrais (como o clássico Hedda Gabler, que teve um trecho encenado) selecionou fatos históricos, mas decidiu dar um tom emocional à sua fala. Recordou a primeira vez em que a viu no palco, com o frescor de uma iniciante. “Quando vemos um ator pela primeira vez, temos a sensação de que ele está atuando como se fosse a sua estreia. Ela tinha uma espontaneidade física, gestos expressivos, nunca era demais ou de menos”, relata.

A aproximação dos dois se deu quando ela o convidou para o papel de mocinho em Hedda Gabler. Mas, nos ensaios, o ator sentia que não alcançava o tom e as expectativas da colega. Durante a temporada, alimentou uma certa insegurança, que só se dissipou na última sessão da peça, em Fortaleza. Na cena em que deveria lhe entregar uma arma, a atriz aproximou-se de seu rosto e lhe roçou os lábios suavemente. “Ali, nossa amizade estava selada para sempre. Foi o momento mais feliz da minha vida em cena”, reconhece.

O LADO MAMÃE
» As entrevistas em vídeo também completaram o relicário afetivo em torno de Dina. O cantor Milton Nascimento, fã confesso de teatro, teve a oportunidade de contracenar com ela no filme Os deuses e os mortos, de Ruy Guerra. “Ela fez o papel de uma louca, mas que dizia coisas muito sérias. Era uma atriz completamente divina”, conta ele, que se inspirou na musa para compor a canção Cravo e canela. Antônio Gilberto, que trabalhou durante anos com a atriz e é autor da biografia Dina Sfat: retratos de uma guerreira, montou uma exposição com retratos dela. Uma das curiosidades da noite foi a exibição de um vídeo da estrela, ao lado da cantora Elis Regina e da atriz Regina Duarte. As três brincam com os filhos, ainda bebês, enquanto interpretam o poema Enjoadinho, de Vinicius de Moraes (“Filhos, melhor não tê-los. Mas se não os temos, como sabê-lo?”).

Musa Guerreira

2011-11-22T12:08:00.005-02:00

Dina no papel de Heloísa de Lesbos, em O rei da vela, montagem do Oficina de 1966 que modernizou o teatro

Dina Sfat é homenageada na última edição do projeto Mitos do Teatro Brasileiro

Mariana Moreira

Durante uma entrevista, ela se comparou à sabra, fruto de cacto comum em Israel: espinhosa e angulosa por fora, doce de enjoar por dentro da casca. Autoanálises à parte, Dina Sfat carregou consigo esse traço de mulher do deserto, que vira a vida do avesso. De família judia, nascida em São Paulo, ela rompeu com as expectativas ao trilhar caminhos inesperados. Deixou a tradição de lado para tornar-se uma das atrizes mais admiradas e carismáticas do Brasil, além de artista com forte verve intelectual, engajada nas causas pertinentes a seu tempo e com senso de cidadania. Essa história tortuosa foi escolhida para encerrar o projeto Mitos do Teatro Brasileiro nesta terça-feira (22/11), às 20h, no teatro do Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), com entrada franca.

“É importante incluí-la entre os mitos do teatro, porque a maioria das pessoas a associa às novelas”, destaca J. Abreu, ator e codiretor do projeto. As participações televisivas foram profícuas, mas a dedicação ao teatro não ficou atrás. Ao longo da carreira, a atriz dedicou-se a clássicos da dramaturgia, como Mandrágora, de Maquiavel, Santo Inquérito, de Dias Gomes, e o grande sucesso Hedda Gabler, de Henrik Ibsen, além de integrar o elenco das duas maiores companhias de referência do teatro moderno no Brasil (Arena e Oficina).

No cinema, uma de suas personagens foi Cy, de Macunaíma, filme dirigido por Joaquim Pedro de Andrade com base na obra de Mario de Andrade. Tamanha versatilidade e capacidade de se desdobrar em vários papéis foi definida pela atriz Renata Sorrah como um “star system”: ela conseguia atuar com maestria na tevê, no cinema e nos palcos. Dina Sfat morreu em março de 1989, em consequência de um câncer de mama. Tinha 50 anos.

Seguindo a dinâmica estabelecida nas homenagens anteriores, a noite terá a presença de convidados e projeções de material de arquivo, além de atores da cidade (J. Abreu e Juliana Drummond) em cenas inéditas inspiradas na vida de Dina, escritas pelo jornalista e dramaturgo Sérgio Maggio. Os amigos a prestar tributo à atriz nesta edição são Maria Alice Vergueiro e Ednei Giovenazzi.

Colega de Dina em novelas e nos palcos, Giovenazzi se encantou com a beleza, personalidade e força daquela novata nos palcos. “Ela tinha um espírito revolucionário. Fiquei chapado. Suas técnicas gestual, vocal e sua medida eram perfeitas”, elogia ele, admitindo que atores não têm o hábito de enaltecer o trabalho dos colegas. “Quando recebi o convite para ir a Brasília, vi a oportunidade de dizer todas as coisas que não disse a ela em vida”, afirma.

Giovenazzi se encantava com a performance da atriz na novela Selva de pedra, em que contracenaram. “A minha personagem protegia a da Regina Duarte, e a dela maltratava. E como maltratava, com aquele olhar fulminante. Eu era artisticamente apaixonado por Dina”, revela.

Nos tempos de Teatro de Arena, a atriz aproximou-se de Maria Alice Vergueiro, outra diva do teatro, que esteve recentemente na cidade, com a peça As três velhas, e ressurgiu para o grande público com o vídeo Tapa na pantera, sucesso na internet. “Ela tinha uma personalidade interessante. Não era dada a muito sectarismo, numa fase em que a cabeça da moçada era radical. Era, antes de tudo, uma artista, tinha muito talento e cantava muito bem”, elogia Maria Alice.

Enquanto Maria Alice se sentia tímida, cheia de pudores, a amiga era mais livre. “Ela era mais Leila Diniz”, brinca. As afinidades entre as duas extrapolaram o espaço cênico. “Às vezes, uma atriz é correta, faz tudo direitinho, mas sem aquele brilho. Em Arena conta Tiradentes e Arena conta Zumbi, ela brilhava em cena”, destaca.

Arena conta
Inspirados nessas obras do dramaturgo Augusto Boal (outro homenageado do projeto), Sérgio Maggio e J. Abreu criaram uma versão da montagem para compartilhar com o público passagens importantes da biografia da atriz. Arena conta Dina Sfat será um miniespetáculo, com duração aproximada de meia hora, e seis esquetes. O público, convidado a formar uma semiarena no palco, escolherá a ordem das cenas, que contam um pouco de tudo: a carreira, o casamento com o ator Paulo José (eles tiveram três filhas, Isabel, Ana e Clara), o feminismo, o enfrentamento à ditadura, a luta pela legalização do aborto.

As cenas seguintes trarão o diálogo da atriz com um crítico teatral, nos bastidores de Hedda Gabler, e ainda uma sequência em que seus pensamentos de natureza artística, política e pessoal serão pendurados em uma árvore. Na pele de Dina, estará a atriz Juliana Drummond. “Ela fez essa fusão entre a atriz e a mulher cidadã para falar sobre questões importantes. É uma honra ser canal e instrumento para essa homenagem”, reconhece ela.

A menina judia, que começou a vida profissional em um laboratório de análises clínicas — e, no auge da fama, desistiu do horário nobre para se dedicar à ribalta — também será lembrada em vídeos. Um deles, raridade, mostra Dina mocinha, em um programa de tevê. “Ela começou querendo ser atriz famosa, nos moldes de Hollywood. Mas, no Teatro de Arena, incorporou o discurso de que o papel do artista é também social, e isso mudou sua vida”, frisa J. Abreu. Vida que, com a ousadia do talento e a solidez do solo desértico, Dina Sfat virou do avesso.

A batalha perdida contra as cigarras

2011-11-08T12:27:00.002-02:00

Sérgio Maggio

Esta é a primeira primavera de Júlio em Brasília. Ele não sabe bem o que foi a seca de umidade de rachar os lábios. Chegou aqui num dia de temporal que lavou a grama esturricada pelo sol. Não viu os ipês roxos e amarelos florescerem. Não sentiu o desespero pela falta de chuva, nem a beleza do Cerrado que dribla a natureza e mantém-se digno sem água a banhar suas raízes. O rapaz, que veio para cidade a fim de enfrentar a maratona de concursos públicos, anda triste e arranhando as paredes do apartamento de tanta raiva. Não consegue encarar a sinfonia diária e ininterrupta de cigarras que fazem um concerto na árvore, cuja copa quase entra na sala de estar.
Nos primeiros dias, Júlio ficou tão nervoso que descarregou dois tubos de inseticida aerosol sobre as folhas da árvore. Tudo em vão. As cantantes, alheias à tentativa de genocídio, soltaram normalmente a voz. O que deixou o rapaz ainda mais enlouquecido.

Desesperado, ele resolveu montar uma espécie de espantalho e colocar na janela. Viu isso em algum desenho animado da infância. Pegou um melão e enfiou num cabo de vassoura, vestido com um abadá do último carnaval em Salvador. Pintou os olhos, abriu, com uma faca, uma bocarra ameaçadora e pôs o mostrengo amarrado na janela com vista para a superquadra.
Quase um milagre ocorreu. As cigarras pararam por alguns minutos. Júlio começou a bailar de felicidade pela casa a sua dança da vitória. Mas eis que, segundos depois, o “sisisisissi” foi retomado com intensidade nunca ouvida, como se as bichinhas estivessem gargalhando do ato patético de Júlio. Nervoso, o homem arrancou a carranca da janela com tanta força que o melão se desprendeu do cabo de vassoura e espatifou, em mil estilhaços, o vidro caríssimo da janela.

Descontrolado, Júlio seguiu para o aparelho de som e despejou toda a sua coleção de heavy metal sobre o chão da sala. No corre-corre, cortou o pé. Quando pulava que nem um saci desgovernado de tanta dor, sentiu que as cigarras aumentaram o tom. Ali, decidiu levar a questão para o campo pessoal. Mesmo com o dedão pingando sangue, ele derramou sobre o piso a coleção de heavy metal. Led Zeppelin, Black Sabbath e Deep Purple foram lançados sobre a lajota branca e manchada de vermelho-sangue.

Com as mãos trêmulas de ódio, lançou o primeiro CD em volume total. As cigarras respondiam à altura. O embate seguiu horas a fio. Ninguém parecia dar trégua. Júlio mergulhado nos acordes de guitarras e os insetos poderosos em seus agudos e graves.

De repente, a porta do apartamento foi posta abaixo. Policiais, bombeiros, síndicos, pioneiros aposentados e até uma patronesse da alta sociedade adentraram no recinto enfurecidos. Júlio sem entender nada jogou-se no chão. Alguém gritou que ele estava drogado e tinha tentado suicídio. A patronesse desmaiou quando viu o chão riscado de sangue. O homem foi imobilizado, levado ao hospital para exames e, depois, à delegacia para ser autuado como perturbador da ordem pública. Os polícias lacraram a porta, desligaram o som e a normalidade enfim voltou àquela superquadra com o doce e insistente “sisisisisi” das cigarras.

Guerrilheira dos palcos

2011-11-07T11:42:00.001-02:00

CENTRO CULTURAL BANCO DO BRASIL E MITOS DO TEATRO BRASILEIRO — ANO II ENCENAM A VIDA E OBRA DE DINA SFAT, ATRIZ ÍCONE DA MODERNIDADE

No gene de Dina Sfat, corre a força das mulheres do deserto judeu. A fibra de luta é uma característica permanente na trajetória de uma das mais inquietantes atrizes da história do teatro brasileiro. De secretária e menina criada para o casamento judeu, rompeu-se uma artista que politicamente pôs o destino pelo avesso. Com presença marcante nos dois coletivos que nacionalizaram o teatro brasileiro, Arena e Oficina, a menina judia que nasceu no Alto da Lapa (RJ) construiu uma carreira de repertório impecável no teatro, no cinema e na televisão. No dia 22 de novembro, terça-feira, às 20h, no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), o projeto Mitos do Teatro Brasileiro rende-se à memória da jovem dama, morta aos 50 anos, com as presenças de Maria Alice Vergueiro e Ednei Giovenazzi. A entrada é franca e as senhas serão distribuídas uma hora antes da apresentação.

A arte de Dina Sfat foi semeada pela dedicação e pela descoberta de um teatro potente capaz de dialogar com o mundo presente. Ela começa encenando textos de Brecht no Teatro do Estudante, de Paschoal Carlos Magno, até entrar, pelas mãos de Augusto Boal, no Arena, onde se faz presente nas antológicas montagens Arena Conta Zumbi e Arena Conta Tiradentes. Ali, em ambiente predominantemente masculino, desbrava a atuação feminina e política no teatro nacional, uma das bandeiras que carrega até a morte precoce em 1989. A atriz está também associada à histórica temporada de O rei da vela, do Teatro Oficina, em 1968, que associa o movimento teatral à Tropicália.

Para testemunhar sobre os caminhos artísticos de Dina Sfat, Maria Alice Vergueiro volta a Brasília a fim de relembrar a antropofagia de O rei da vela e a presença marcante de Dina Sfat no teatro. “Adoro ela, tenho carinho e boas lembranças de trabalhos divididos”, lembra a dama do teatro cult no Brasil, que recentemente fez estrondoso sucesso no palco do CCBB com As três velhas. Ao seu lado, estará um dos atores mais talentosos e dedicados à arte teatral no país, Ednei Giovenazzi, que fez, com Dina Sfat, um dos seus maiores sucessos: Hedda Gabler. “Sempre penso em Dina, é como uma oração”, confessa. No formato de teatro-documentário, os depoimentos de Maria Alice Vergueiro e Ednei Giovenazzi estarão misturados a cenas escritas pelo diretor-dramaturgo Sérgio Maggio e vividas pelos atores J. Abreu e Juliana Drummond.

Mitos do Teatro Brasileiro é projeto alicerçado na memória daqueles que fizeram do teatro uma missão de vida e de expressão. Durante dois anos, encenou biografias cênicas de Dulcina de Moraes, Dercy Gonçalves, Procópio Ferreira, Cacilda Becker, Nelson Rodrigues, Chico Anysio, Maria Clara Machado, Plínio Marcos, Paulo Autran, Lélia Abramo e Augusto Boal. “Pelo palco do CCBB Brasília, montamos uma panorama profundo e sensorial sobre a saga do teatro nacional do século 20, das companhias aos coletivos modernos. Além do sucesso de público e crítica, vimos surgir diante dos nossos olhos um profundo amor da plateia ao teatro brasileiro ”, aponta Maggio.

 Acompanhe a pesquisa do projeto no blog
 www.mitosdoteatrobrasileiro.blogspot.com e siga-o no Twitter @mitosdoteatro

SERVIÇO:

Mitos do Teatro Brasileiro — Dina Sfat
Data: 22 de novembro
Horário: terça-feira, às 20h
Duração: 100 minutos
Ingressos: Entrada franca. Senhas serão distribuídas na bilheteria com uma hora antecedência.
Direção e dramaturgia: Sérgio Maggio
Com: J. Abreu e Juliana Drummond
Debatedores: Maria Alice Vergueiro e Ednei Giovenazzi
Classificação indicativa: 12 anos
Local: Centro Cultural Banco do Brasil Brasília (CCBB) – SCES, Trecho 2, Lote 22, Brasília
Telefone: (61) ) 3108-7600

O CCBB disponibiliza ônibus gratuito, identificado com a marca do Centro Cultural. O transporte funciona de terça a domingo, saindo do Teatro Nacional a partir das 11h.

Trajeto e Horários

Teatro Nacional: 11h, 12h25, 13h50, 15h15, 16h40, 18h05, 19h30, 20h55, 22h
SHN – Manhattan: 11h05, 12h30, 13h55, 15h20, 16h45, 18h10, 19h35, 21h, 22h05
SHS – Hotel Nacional: 11h10, 12h35, 14h, 15h25, 16h50, 18h15, 19h40, 21h05, 22h10
SBS – Galeria dos Estados: 11h15, 12h40, 14h05, 15h30, 16h55, 18h20, 19h45, 21h10, 22h15
Biblioteca Nacional: 11h20, 12h45, 14h10, 15h35, 17h, 18h25, 19h50, 21h15, 22h20
UNB – Inst. Artes: 11h30, 12h55, 14h20, 15h45, 17h10, 18h35, 20h, 21h25, 22h30
UNB – Biblioteca: 11h35, 13h, 14h25, 15h50, 17h15, 18h40, 20h05, 21h30, 22h35
CCBB: 12h10, 13h35, 15h, 16h25, 17h50, 19h15, 20h40, 21h45, 22h45

Assessoria de Comunicação

Âncora Comunicação
Carla Spegiorin
E-mails: carla@ancoracom.com.br e carlaspegiorin@gmail.com
Telefone: (61) 8404-6069

Mariana Uchôa
E-mail: mariana.uchoa.alves@gmail.com
Telefone: (61) 9666-1221

Elisa visita Dulcina

2011-10-26T10:52:00.000-02:00

Brasília faz parte do círculo íntimo de Elisa Lucinda. Há mais de dois anos, ela exercita semanalmente a criação de crônicas. Muitas falam de uma cidade que escapa do rótulo de sede do poder público. A atriz, cantora e poeta percorreu, em palavras, da natureza ao concreto. O cerrado, o céu, as curvas e retas dos arquitetos são motes para crônicas poéticas ou poesias crônicas. Não importa o formato, a escritora sempre o rompeu em nome de um delicado sentimento de pertencimento. “Tenho uma onda com Brasília, é espiritual, há um registro emocional em mim, é como voltar para casa depois de um tempo fora. Sinto a mesma coisa quando retorno para o Espírito Santo (terra natal)”, conta.
Hoje, Elisa Lucinda desembarca para comandar oficina Da utilidade da poesia, do projeto Vivo EnCena, na Faculdade de Artes Dulcina de Moraes. Uma vivência para 20 participantes de diversas formações. “Fico impressionada como a poesia é instrumento que recupera os recursos humanos. Quando a gente ensina um gerente de banco e um operador de telemarketing, por exemplo, a decorar um poema, eles voltam para aquele lugar da criatividade da infância, por vezes, tolhida. O gago, o medo de falar, muitas vezes promovidos pela escola preconceituosa, que chama o aluno de ‘lerdo’, ‘bagunceiro’, ‘indisciplinado’. Esse trabalho recupera a relação com a gente, sensibiliza o olhar”, conta.
Com inscrições encerradas, a oficina de 20 alunos é oportunidade para Elisa Lucinda rever a Brasília que está nos seus planos afetivos e profissionais. Aqui, por exemplo, ela deseja, um dia, correr com seus espetáculos pelas cidades do DF. Acredita que pode contribuir para mostrar uma outra capital ao Brasil, de outra forma. “Há uma Brasília sensível, moderna e muito interessante a ser focada”, conta Elisa Lucinda, que, naturalmente, põe a cidade em sua rota. “Acabei de estrear um show no Teatro Rival e pensei em fazer em Vitória e em Brasília.”
Com convite para entrar em novela da TV Globo, que ela não pode revelar a pedido do autor da trama, Elisa Lucinda corre para dar conta de tanto compromisso. Pare de falar mal da rotina, espetáculo de bolso que recentemente virou livro, não para de ser requisitado. Quando não está no check-in do Aeroporto, cuida das atividades da Casa Poema, no Rio de Janeiro, centro de cursos e saraus vibrantes, bem a cara e o estilo de Elisa Lucinda que, quando recita, inunda o ambiente de desejos.

Teatro Subversão de palco e plateia

2011-10-20T15:24:00.004-02:00

Foto Ronaldo Oliveira

Mariana Moreira

Acostumados a serem receptores da ação teatral, os espectadores do projeto Mitos do Teatro Brasileiro, que homenageou o diretor e dramaturgo Augusto Boal nesta terça-feira, viveram uma experiência diferente. Durante alguns instantes, foram deslocados para a posição de atores, ou espect-atores, para usar expressão cunhada pelo próprio homenageado. Antes dos depoimentos da noite, feitos por Amir Haddad, Aderbal Freire Filho e pela viúva do teatrólogo, Cecília Boal, os comandantes da parte cênica da homenagem, os atores J. Abreu e Sílvia Paes, apresentaram um impasse, baseado no Teatro do Oprimido, criado por Boal.

Diante do impasse, uma mulher que quer ensaiar um espetáculo mas é reprimida pelo marido, a plateia foi convidada a debater soluções possíveis, além de subir ao palco e encenar sua sugestão. O exercício rendeu cinco alternativas apresentadas pelo público. Antes de relembrar o amigo, o diretor e professor de teatro Amir Haddad, pediu que as luzes do Teatro do Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), fossem acesas. “Não combina com o Boal deixar a plateia mergulhada no escuro e o palco superavalorizado”, explicou.

Em seu tributo, Haddad ressaltou a grande contribuição dada pelo amigo ao teatro. “O teatro não depende do mistério. Essa desilusão faz parte da desmistificação. Todo mundo pode fazer teatro. Ele é uma atividade pública feita por particulares”, defendeu. Seu depoimento, de forte teor político, atribuiu a Boal um esforço para liberar o teatro de uma opressão ideológica imposta pela sociedade burguesa capitalista.

Após assistir à cena que evoca os tempos em que o homenageado dirigiu o show Opinião, Aderbal Freire-Filho fez questão de incluir Boal no panteão de mestres universais da cena. “O Teatro do Oprimido é, merecidamente, seu legado mais conhecido. Mas ele era um mestre e mestres não podem ser contidos em uma criação. O autor Boal eram muitos. O diretor, também”, exemplificou Freire-Filho, que citou a criação do artista-cidadão como uma das principais contribuições do diretor.

O desfecho ficou por conta da mulher do artista, Cecília Boal, que revelou sua preocupação com uma abordagem menos política e mais superficial do legado do marido. “Essa quebra dos limites entre o palco e a plateia é um convite à transgressão, mas precisa seguir regras. É importante que seja uma assembleia onde se pensa junto, e de onde se pode sair com uma possibilidade de ação concreta”, reforçou ela. “ Augusto Boal é como Raul Seixas: vai ficando cada vez melhor”, concluiu Amir Haddad.

Tributos -- O projeto, que revisita as trajetórias de grandes nomes das artes cênicas nacionais, já homenageou Dulcina de Moraes, Dercy Gonçalves, Procópio Ferreira, Nelson Rodrigues, Cacilda Becker, Chico Anysio, Maria Clara Machado, Plínio Marcos, Lélia Abramo e Paulo Autran. A temporada se encerra em 22 de novembro, com um tributo à atriz Dina Sfat.

Meu senhor, Augusto Boal

2011-10-18T11:45:00.000-02:00

Mitos do Teatro Brasileiro homenageia o mestre da dramaturgia Augusto Boal

Mariana Moreira

Publicação: 18/10/2011 08:15 Atualização:


Augusto Boal deixou 22 livros escritos, traduzidos para mais de 20 idiomas

“Existem lugares no mundo em que as pessoas conhecem ele e não conhecem Pelé.” A frase é do diretor e professor teatral Amir Haddad, sobre o amigo Augusto Boal, diretor, dramaturgo e ensaísta que influenciou profundamente a cultura brasileira e criou novos limites para o jogo dramático. O próprio Haddad já comprovou esse prestígio. Durante uma viagem à Alemanha, entrou em uma livraria e pediu obras sobre teatro. O vendedor, então, disse que mostraria a ele algo especial, e o levou a uma estante de livros escritos por Boal. O legado do criador do Teatro do Oprimido será foco de mais uma edição do projeto Mitos do Teatro Brasileiro, em cartaz hoje, no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), a partir das 20h.

O método criado por Boal, hoje presente em mais de 77 países, nos cinco continentes, casava teatro com pedagogia, tendo a transformação social como alicerce. A ideia era usar a ação dramática para formar lideranças nas centros urbanos, subúrbios e comunidades rurais. “É o teatro no sentido mais arcaico do termo.

Todos os seres humanos são atores — porque atuam — e espectadores — porque observam. Somos todos espect-atores”, escreveu o próprio Boal. Utilizado por não atores, serviria como instrumento de reflexão política. Seu conjunto de exercícios e jogos cênicos resultou em um novo método de preparação de atores, que teve impacto mundial.


Cecília Boal: luta para preservar o acervo do marido no Brasil

Amir Haddad, por sinal, é um dos convidados a participar da noite, com formato de teatro-documentário, e dar um depoimento sobre o diretor. “Ele era uma voz atuante, um emblema de resistência, de possibilidade de construção de um outro mundo. Não esse mundo de corrupção, discriminação racial, segregação, saneamento étnico, violência e injustiça”, defende. Em 1992, Boal candidatou-se ao cargo de vereador, pelo Rio de Janeiro, e Haddad era confundido com ele nas ruas. Ao sair da cabine de voto, ouviu de um eleitor: “Votei em você”. “Eu tinha orgulho em ser confundido com alguém que abriu caminhos importantes e corajosos para a população brasileira. Caminhos que vão além do discurso ideológico, são atitudes humanistas”, afirma.

A atuação de Boal não se resume a elevar o teatro ao posto de ferramenta social e política. Antes do Teatro do Oprimido, que ganhou formatação nos anos 1970, durante o exílio que o levou a viver entre a Argentina e a França, ele já acumulava longa experiência nos palcos. Integrou o Teatro de Arena, uma das maiores companhias brasileiras, e dirigiu espetáculos históricos. Durante a ditadura militar, realizou o famoso show Opinião, com Zé Keti, João do Vale e Nara Leão, que depois seria substituída pela estreante Maria Bethânia. Deixou 22 livros escritos, traduzidos para mais de 20 idiomas. Em 2008, foi indicado ao Prêmio Nobel da Paz, e no ano seguinte foi nomeado pela Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura (Unesco) embaixador mundial do teatro.

Como Brecht
Quando Boal faleceu, vítima de uma leucemia, em 2009, o diretor Aderbal Freire-Filho declarou: “Ele é um dos deuses do arquipélago do teatro, um dos mitos da nossa religião”. Também convidado a falar sobre o amigo na homenagem, Freire-Filho defende que Boal, ao lado de mestres como Constantin Stanislavksi e Bertolt Brech, marcou o século 20. “O que esses mestres têm de maior é propor um avanço, fazer com que o teatro vá mais longe na relação com a sociedade”, defende. Outra contribuição marcante, aponta Freire-Filho, é a criação dos seminários de dramaturgia, que revelaram textos clássicos de Oduvaldo Vianna Filho e Gianfranceso Guarnieri.


Amir Haddad: saudades do colega e criador do Teatro do Oprimido

O tributo contará ainda com os atores J. Abreu, codiretor do evento, a atriz Sílvia Paes e atores da Cia. Trincheira de Teatro, em cenas inéditas criadas pelo dramaturgo Sérgio Maggio. A primeira delas evoca o Teatro Fórum, uma das bases do sistema desenvolvido por Boal.

Nele, a barreira entre plateia e palco é destruída e os espectadores dialogam livremente com os atores. Uma cena em que há conflito e opressão será apresentada, e o público poderá assumir o papel de protagonista, apresentando soluções possíveis. Na segunda encenação, será revivida uma história real, dos bastidores do show Opinião. Além de atriz do Teatro do Concreto, Sílvia é multiplicadora das técnicas de Boal no Centro-Oeste. “O Teatro do Oprimido não é utopia. Ele não transforma o mundo inteiro, mas transforma sua própria vida. Eu mudei, como mulher e cidadã”, afirma.

Mitos do Teatro Brasileiro — Augusto Boal
Hoje, às 20h, no Teatro do Centro Cultural Banco do Brasil (SCES, Trecho 2, Lote 22 - 3108-7600). Participação de Aderbal Freire-Filho e Amir Haddad. Com J. Abreu e Sílvia Paes. Entrada franca, mediante retirada de senhas, distribuídas com meia hora de antecedência. Não recomendado para menores de 12 anos.

Boal no CCBB - 18/10

2011-10-17T09:38:00.001-02:00

Teatro de Boal é lembrado terça no CCBB

16/10/2011

Projeto Mitos do Teatro tem encenação, conversa e depoimentos

“O Teatro do Oprimido é o teatro no sentido mais arcaico do termo. Todos os seres humanos são atores - porque atuam - e espectadores - porque observam. Somos todos espect-atores”. A sentença é do teatrólogo Augusto Boal (1931-2009), o criador do método do Teatro do Oprimido, também do Teatro Invisível, do Teatro Imagem e de movimentos fundamentais do teatro brasileiro que se renovou na segunda metade da década de 1950. A vida e a obra do carioca que se tornou referência mundial nos métodos teatrais são lembradas pela série Mitos do Teatro Brasileiro, nesta terça, às 20h, no CCBB.

O projeto dirigido por Sérgio Maggio e J.Abreu tem como destaque da homenagem as participações dos diretores Aderbal Freire-Filho e Amir Haddad, dois grandes conhecedores da trajetória de Boal e dois pensadores-realizadores também fundamentais na nossa história teatral.

Augusto Boal surgiu para o teatro, depois de pós-graduar-se em engenharia química e fazer um curso de teatro em Nova York, como a principal liderança do Teatro de Arena em 1960. Foi perseguido pelo regime militar, preso e exilado. No exterior, desenvolve as bases do Teatro do Oprimido, método que foi adotado mundo afora e o projetou como um dos grandes nomes do teatro do século 20.

O crítico Yam Michalski resumiu bem a abrangência da presença de Boal no teatro brasileiro: “Até o golpe de 1964, a atuação de Augusto Boal à frente do Teatro de Arena foi decisiva para forjar o perfil dos mais importantes passos que o teatro brasileiro deu na virada entre as décadas de 1950 e 1960. Uma privilegiada combinação entre profundos conhecimentos especializados e uma visão progressista da função social do teatro conferiu-lhe, nessa fase, uma destacada posição de liderança. Entre o golpe e a sua saída para o exílio, essa liderança transferiu-se para o campo da resistência contra o arbítrio, e foi exercida com coragem e determinação. No exílio, reciclando a sua ação para um terreno intermediário entre teatro e pedagogia, ele lançou teses e métodos que encontraram significativa receptividade pelo mundo afora, e fizeram dele o homem de teatro brasileiro mais conhecido e respeitado fora do seu país".
da redação

serviço
Mitos do Teatro Brasileiro – Augusto Boal
data:18 de outubro
hora: 20h
local: Teatro I do CCBB
entrada franca
classificação 12 anos
informações 3108 7600

Crítica do Cabaré das Donzelas Inocentes

2011-10-17T09:16:00.000-02:00

O dilema da vida

Enviado por secom, seg, 18/10/2010 - 09:53

festival de teatro

Mais do que a força das histórias contadas durante toda a encenação, a grande surpresa da peça “Cabaré das Donzelas Inocentes” se dá ao final. Já imerso na profundeza do cotidiano e no passado de quatro prostitutas, personagens que conduzem o roteiro, o público é confrontado com a realidade: tudo o que ali foi dito realmente aconteceu na vida real.

A peça dirigida por Murilo Grossi e William Ferreira e com Adriana Lodi, Bidô Galvão, Catarina Accioly e Carmen Moretzon no elenco é baseada em histórias verídicas contadas por garotas de programa a Sérgio Maggio. As memórias publicadas no livro “Conversas de Cafetinas” (Arquipélago Editorial).

A apresentação da peça no Teatro Carlos Gomes foi no último sábado e lotou o teatro localizado na Praça Costa Pereira. “Cabaré das Donzelas Inocentes” conta a história de Cabeluda, China, Minininha e Saiana, que estão num bordel onde não entra mais nenhum cliente. Enquanto tocam a vida, para muitos tidas como ordinária, elas expõem as memórias, que se desmancham diante do espectador com um novelo de lã.

“Senti que a peça tem um texto denso, que busca tocar mesmo nas feridas da sociedade brasileira, já que essa realidade é muito comum em todas as cidades do País”, comenta o comerciante Paulo Henrique Machado.

Augusto Boal homenageado no CCBB

2011-10-17T08:34:00.000-02:00

O l

O CENTRO CULTURAL BANCO DO BRASIL E O PROJETO MITOS DO TEATRO BRASILEIRO — ANO II CELEBRAM A VIDA E A OBRA DE AUGUSTO BOAL, O CRIADOR DO TEATRO DO OPRIMIDO

Durante mais de 50 anos dedicados ao teatro, uma pergunta persistente seguia Augusto Boal em inúmeras entrevistas. “Como o senhor se define? Um dramaturgo, um diretor, um homem de esquerda, um teatrólogo? Múltiplo e sem caber em rótulos, ele, um dia, teve uma inspiração. Lembrou-se que Simón Bolivar, o revolucionário que libertou a América Espanhola do colonialismo: “Ele se dizia ser um lavrador do mar -- lavra-se uma onda, mas tem sempre outra se aproximando. É assim que me sinto. Um lavrador do mar”, concluiu Augusto Boal, um dos maiores nome do teatro do Brasil e do mundo. A memória dele será celebrada no dia 18 de outubro (terça-feira), às 20h, no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), com entrada franca. As senhas para o encontro devem ser retiradas meia hora antes do evento).

Engenheiro químico formado, Augusto Boal não conseguiu dizer “não” ao chamado dos palcos. Amigo do dramaturgo Nelson Rodrigues e do crítico Sábato Magaldi na juventude, ele viajou para os Estados Unidos e, lá, fez um curso de dramaturgia na Colombia University, onde aprofundaria suas convicções teatrais. Viu Marlon Brando e James Dean aprendendo Stanislavski no Actor´s Studio e, quando voltou ao Brasil, ao fim da década de 1950, foi irradiar o que sabia aos seus pares no recém-criado Teatro de Arena, espaço no qual ajudou a alinhá-lo à ideia de nacionalizar o teatro brasileiro. A partir daí, construiu uma carreira de resistência, que culminou com o show Opinião e na série de espetáculos Arena conta... Todos incomodando profundamente a ditadura militar, que o perseguiu e o exilou como um inimigo público. No exterior, aprofundou o sistema do Teatro Oprimido, que já tinha sido iniciado com o Teatro Jornal e o Teatro Invisível, ambos com forte teor político. Hoje, o método é conhecido no mundo e espalha-se por mais de 50 países nos cinco continentes.

Para celebrar a arte de Augusto Boal, os atores J. Abreu e Silvia Paes, que é multiplicadora do Teatro Oprimido no Centro-Oeste, trazem a memória viva de Boal em cenas inéditas, criadas pelo diretor-dramaturgo Sérgio Maggio, enquanto os diretores Amir Haddad e Aderbal Freire-Filho testemunham fatos relevantes vividos ao lado do homem de teatro que foi indicado ao Nobel da Paz. “Quero falar muito da generosidade de Boal. Dessa capacidade de doar conhecimentos”, adianta Aderbal Freire-Filho. “Há tanto a contar sobre essa maravilha que é Boal que vou estourar o tempo”, brinca Amir Haddad. Nessa edição, ainda participa da homenagem o coletivo brasiliense Trincheira Cia. de Teatro, que, há dois anos, pesquisa a vida e a trajetória de Honestino Guimarães, líder estudantil da UnB que desapareceu durante a ditadura militar.

Após celebrar, com êxito de público e crítica, as trajetórias de Dulcina de Moraes, Dercy Gonçalves, Procópio Ferreira, Nelson Rodrigues, Cacilda Becker, Chico Anysio, Maria Clara Machado, Plínio Marcos, Lélia Abramo e Paulo Autran, Mitos do Teatro Brasileiro segue saudando a memória de Dina Sfat (22 de novembro, com Juca de Oliveira e Thelma Reston). “A delícia de se falar sobre esses homens e mulheres, que doaram a vida ao palco, faz desse projeto uma potente declaração de amor ao teatro brasileiro”, observa Maggio.

Num formato de teatro-documentário, no qual se constrói ao vivo a biografia cênica do homenageado, a partir da junção de esquetes, depoimentos e vídeos, o projeto Mitos do Teatro Brasileiro contribui para consolidar a memória das artes cênicas. “Todos nós, público e plateia, saímos transformados a cada homenagem do projeto Mitos do Teatro Brasileiro”, conta o ator J. Abreu.

Acompanhe a pesquisa do projeto no blog www.mitosdoteatrobrasileiro.blogspot.com e siga-o no Twitter @mitosdoteatro

SERVIÇO:

Projeto: Mitos do Teatro Brasileiro Ano II – Augusto Boal

Direção, texto e concepção cênica: Sérgio Maggio e J. Abreu.

Com: J. Abreu, Silvia Paes e o coletivo Trincheira Cia. de Teatro

Horário: Dia 18 de outubro, terça-feira, às 20h

Duração: 100 minutos

Classificação indicativa: 12 anos

Local: Centro Cultural Banco do Brasil Brasília (CCBB) – SCES, Trecho 2, Lote 22, Brasília

Telefone: (61) 3108-7600

Ingressos: Entrada franca. Senhas serão distribuídas na bilheteria com meia hora antecedência.

O CCBB disponibiliza ônibus gratuito, identificado com a marca do Centro Cultural. O transporte funciona de terça a domingo, saindo do Teatro Nacional a partir das 11h.

Trajeto e Horários

Teatro Nacional: 11h, 12h25, 13h50, 15h15, 16h40, 18h05, 19h30, 20h55, 22h

SHN – Manhattan: 11h05, 12h30, 13h55, 15h20, 16h45, 18h10, 19h35, 21h, 22h05

SHS – Hotel Nacional: 11h10, 12h35, 14h, 15h25, 16h50, 18h15, 19h40, 21h05, 22h10

SBS – Galeria dos Estados: 11h15, 12h40, 14h05, 15h30, 16h55, 18h20, 19h45, 21h10, 22h15

Biblioteca Nacional: 11h20, 12h45, 14h10, 15h35, 17h, 18h25, 19h50, 21h15, 22h20

UNB – Inst. Artes: 11h30, 12h55, 14h20, 15h45, 17h10, 18h35, 20h, 21h25, 22h30

UNB – Biblioteca: 11h35, 13h, 14h25, 15h50, 17h15, 18h40, 20h05, 21h30, 22h35

CCBB: 12h10, 13h35, 15h, 16h25, 17h50, 19h15, 20h40, 21h45, 22h45

Assessoria de Comunicação

Âncora Comunicação

Carla Spegiorin

E-mails: carla@ancoracom.com.br e carlaspegiorin@gmail.com

Telefone: (61) 8404-6069

Camila Santos

camila@ancoracom.com.br

Telefone: (61) 8489-8167

Conversa com a diretora Leo Sykes

2011-10-17T05:56:00.002-02:00

Brasília devia ser a Las Vegas da cultura"

Severino Francisco
Sérgio Maggio
Publicação: 16/10/2011 11:00 Atualização: 17/10/2011 00:07

Com uma mistura desconcertante de circo, música e performance, o Grupo Udigrudi surpreendeu a todos, ao ganhar o prêmio principal do Festival de teatro de Edimburgo de 2000, o mais importante do gênero no mundo, com o espetáculo O cano. A inglesa Leo Sykes é uma das responsáveis pelo salto do udigrudi, ao fundir as experiências do circo udigrudi, do Música-à-tentativa e do liga tripa. O Udigrudi vai dar um tempo para recarregar as baterias. Nesta entrevista, leo fala sobre Brasília, o brasil e os novos rumos do grupo.

O que está acontecendo com o Udigrudi e qual será o caminho de cada integrante neste período de pausa no trabalho do grupo?

O Udigrudi faz 30 anos em 2012 e resolvermos dar um tempo para todo mundo se renovar. Eu e o Marcelo Beré vamos para Londres. Ele vai fazer um doutorado em palhaçaria. O Luciano Porto quer criar um parque sonoro para crianças. Já conversamos com o CCBB, O Márcio continuará realizando pesquisas com a construção de instrumentos. E eu quero escrever um roteiro de televisão para o Udigrudi. Depois, tudo isso vai enriquecer o nosso trabalho coletivo. Fizemos uma trilogia de espetáculos, com pesquisa em elementos excêntricos musicais: O cano, O ovo e Devolução industrial. Estava na hora de quebrar com tudo para que nasça algo novo. O legal é que, depois de 30 anos, temos uma atriz no palco, a Joana Abreu.

Como se deu a sua iniciação ao teatro?

Começou muito cedo, quando eu tinha seis meses de idade, meus pais eram cineastas e filmaram o espetáculo US, de Peter Brook. Me lembro que, quando era adolescente, meu pai considerava o teatro algo muito chato. Então, era uma maneira de ir contra ele. Estávamos nos anos 1970, minha mãe sempre me levava para ver o teatro, tinha muita nudez, os atores jogavam gelatina na plateia. No auge dos meus 14 anos de rebeldia, eu achava aquilo o máximo. Quando cheguei da Índia aos 18 anos, meu pai perguntou: “por que não vai à Dinamarca visitar a Júlia Varley”, filha de amigos do meu pai. Ela era do Odin Theatre, dirigido por Eugênio Barba. Acabei trabalhando durante cinco anos como assistente dele. Conheci algo muito mais sério do que havia sabido até então. Era uma tribo de artistas entregues totalmente à arte, sem frescura, sem ironia, era muito pleno e internacional.

Como é a sua formação familiar?Sou filha de migrantes, nunca fui de lugar nenhum. Meu pai era australiano, minha mãe do Quênia, nasci em Londres e fui criada na Itália. Ser uma filha de migrantes a ajudou a compreender a mixagem de linguagens do Udigrudi?

É interessante. A linguagem do Udigrudi é resultado de um casamento rico de linguagens diferentes. Márcio é músico e inventa instrumentos alternativos. Marcelo Beré e Luciano vêm do circo tradicional e dos malabares. E eu venho do experimentalismo do teatro europeu e do cinema. O meu trabalho de diretora foi canalizar e tirar o máximo de cada uma dessas experiências. Não foi fácil, os ensaios eram um verdadeiro campo de batalha. O Luciano Porto, que criou o projeto do espetáculo O cano, não gostava nem um pouco no início. Eu também não entendia nada daqueles palhaços tradicionais. Fomos obrigados achar um terreno onde podíamos nos encontrar.

O que esta experiência de trabalhar com o grupo Udigrudi proporcionou a você em termos de direção?

Para mim, o Udigrudi é um prato cheio. No grupo, há quem domine o circo, os malabares, a performance, os figurinos e os cenários. Tenho tudo na mão, mas ficava com a impressão de que nunca iam além. Pensava que, muitas vezes, eles banalizavam a sua própria criatividade. Aprendi que a responsabilidade do diretor é empurrar, acreditar, observar cada detalhe e se arriscar. Às vezes, você não sabe o que está fazendo. Aprendi a confiar e batalhar.

Você acha que consegue realizar tudo? A trupe tem um potencial muito maior do que eu consegui canalizar. Mas o problema é que vivemos atrapalhados por gastar 99% das nossas energias com questões administrativas. Com 30 anos de estrada, não temos uma sala de trabalho, não conquistamos nada além de prestígio e de um público fiel. Economicamente e estruturalmente, estamos na estaca zero.

E por que se encontram nessa situação?

Em parte, é culpa nossa. Somos muito criativos e pouco organizados. Mas, sinceramente, acho que a estrutura burocrática do Brasil mata todo mundo. Obriga você a ter tanta competência administrativa que tem de gastar uma energia surreal. Precisa ser um excelente, genial admistrador. O governo brasileiro e os patrocinadores têm de fazer uma reflexão, pois se querem estimular a cultura precisam pensar diferente. Nós e outros grupos estamos a ponto de não querermos mais esse tipo de patrocínio. A burocracia é tão grande que, algumas vezes, trabalhamos de graça e temos de tirar dinheiro do nosso bolso para pagar.

Em países da Europa não existe essa burocracia?

Não existe. É por isso insisto que tem de mudar. Produzo teatro na Dinamarca e na Inglaterra, mas o trabalho em si mesmo é a prova. Não existe cartório, eles acreditam no seu trabalho. Aqui no Brasil, a princípio, até que prove em contrário, você já é suspeito.

O que as pessoas dizem dos espetáculos do Udigrudi fora do Brasil?

Engraçado, nosso trabalho é internacional. A reação é muito parecida com a dos brasileiros. É feita para a criança sensorial, o brincante que há em cada pessoa. Ficamos morrendo de medo de que não entendessem nosso humor na China. Que nada, eles entenderam a surpresa, a metaformose.

Você acha que o Udigrudi é um produto típico da experimentação cultural brasiliense das décadas de 1980 e 1990?

Para o Marcelo Berê, o Luciano Porto e o Márcio, a participação nos grupos Música-à-tentativa, Liga Tripa e circo Udigrudi foram fundamentais. A Joana é mais nova e participou como espectadora. Eles reverenciam isso todos os dias. Eles foram um grupo sem diretor até eu chegar. A formação deles foi essa. Depois, eles viraram a primeira geração de pedagogos autodidatas, passaram a ministrar oficinas e workshops. Talvez porque os pais desses jovens tiveram que inventar uma cidade parecia a eles natural inventar também uma cultura. Para mim, a questão era outra. Fui criada em Londres, em Florença, em Paris, vendo Peter Brock e o Living Theatre.

Brasília já foi bastante experimental nas décadas de 1980 e 1990. E, hoje, ela perdeu a inquietação e virou uma cidade cover? Não sei se isso é algo específico da cidade. Brasília tem um nome muito bom para a música. Se você fala que é de Brasília, as pessoas de fora respeitam. Mas se fala que é de teatro, elas desconfiam. Existem trabalhos em teatro muito bons, mas o problema é a invisibilidade. O que tem visibilidade é o besteirol. A grande doença da cultura em Brasília é o amadorismo, todo mundo faz teatro nas horas vagas, ninguém consegue viver disso, mal nasce, já morre. O custo do aluguel de uma sala em Brasília é altíssimo.

Que conselho você daria para os atores jovens de talento?

Eu digo sempre para eles: “Vão embora!”. É cruel, mas fico com medo de que eles morram como artistas.

Brasília odeia a cultura?

É uma coisa louca. Brasília ama shopping, carro e odeia a cultura. Ao mesmo tempo, não temos praia, a única opção de diversão e vida social é a cultura. Brasília deveria investir algo e ser uma Las Vegas da cultura.

Você se abrasileirou?

Quando vou para fora, vejo como sou brasileira. Se faço um jantar na Dinamarca, marco para as 20h, quando as pessoas chegavam, eu ainda não havia começado. Eles dizem que sou muito brasileira. Como diretora, acesso uma riqueza enorme de música popular. A questão musical é marcante. Podemos começar um espetáculo com um samba e logo em seguida entrar com um maracatu.

O que é ser brasileiro?

É saber levar a vida pelo lado bom, mas o problema é que, muitas vezes, isso impede de melhorar o que está ruim. Não adianta dizer que os políticos são todos corruptos e não fazer nada. Vamos fazer igual aos italianos, que decidiram não pagar mais impostos.

E Brasília, o que tem de bom e de ruim? Brasília é uma cidade muito difícil para mim. Não é orgânica. Preciso me concentrar quando vou para a minha casa. Sempre chego ao Eixão dirigindo na posição errada. Acho fantásticas as árvores, o céu, a possibilidade de morar em uma casa no centro da capital, com coelhos e gatos. Posso ir a pé à 508, a Casa d’ Itália e à Funarte. É um luxo. Temos um grupo muito legal de artistas. Mas é uma cidade mais de separações do que de encontros.

O que incomoda a você?

Moro na W3 Sul e a gente tem de andar o tempo com cuidado, olhando para baixo, por causa dos buracos, e para cima, com medo de que caía algo em sua cabeça. Me preocupa que a alma das pessoas esteja sendo formada por cimento estragado. De quem é a W3 Sul, de quem é Brasília? É dos mendigos. Existem parquinhos, mas são muito descuidados, as crianças não podem brincar. E, no campo da cultura, a cada novo governo, destroem tudo o que fez o anterior. Não deixam estabelecer tradições e competências. A gente começa tudo do zero. A sensação que tenho é de que a gente está patinando na lama o tempo todo. Isso cansa.

O que seria necessário fazer para sair da lama?

Não é falta de artistas. É falta de espaços, a 508 Sul está abandonada pelo governo. Monta uma coisa lá e a chuva molha as nossas coisas. Era preciso também patrocínios com continuidade para trabalhos de pesquisas realizados heroicamente. E criar uma ponte cultural, um programa de passagens para ir aos festivais. A cultura em Brasília não pode se limitar ao circuito CCBB, Funarte e Caixa Cultural. Os artistas locais não conseguem utilizar o Teatro Nacional. É só megaprodução global ou alguns balés. Brasília tem um potencial fantástico para a cultura.

Trajetória premiada

» A trupe Udigrudi foi criada em 1982, por Marcelo Beré, Márcio Vieira e Luciano Porto, a partir da fusão de três experiências: Música-à-Tentativa, Circo Udigrudi e Liga-Tripa. Marcelo e Luciano desenvolviam um trabalho com circo e malabares. Márcio Vieira é luthier e cria instrumentos a partir de canos de PVC. Com a entrada da diretora Leo Sykes, o grupo ganhou novo impulso, potencializando os talentos individuais em uma inventiva mixagem de circo, teatro, performance e música. Em 2000, a trupe ganhou o Herald Angel, prêmio principal do Festival de Fringe de Edimburgo, na Escócia, o mais importante evento de teatro do mundo. Desde essa época, o Udigrudi decolou uma carreira internacional, se apresentando em 15 países, sempre com sucesso de público e de crítica. Com O cano, O ovo e Devolução industrial, o grupo fechou uma trilogia de teatro experimental. Em 2008, ganhou o VilaNueva de Cuba. Em 2010, a trupe foi agraciada com o Prêmio Zilka Salaberry de Teatro Infantil.

África em mim

2011-10-12T00:37:00.003-03:00

Sérgio Maggio

Tem uma África dentro de mim que faz do meu coração um terreiro onde dançam deuses negros cheios de dengos e iras.

Tem uma África dentro de mim que faz do meu couro tambores para chamar deuses distantes.

Tem uma África dentro de mim que clama justiça, paz e concórdia, que grita para ser acarinhada.

África negra, minha mãe que me balança e guia por mares de águas misturadas

Axé!

Salve a Oficina Perdiz

2011-10-07T15:27:00.000-03:00

Artistas organizam abaixo-assinado em favor da Oficina do Perdiz

Mariana Moreira

Publicação: 07/10/2011 12:15 Atualização: 07/10/2011 12:41

Artistas do DF se reuniram ontem, na sede do Teatro do Concreto (Conic), para discutir série ações que resolva a situação da Oficina Perdiz, cuja terreno para a construção na 710 Norte está embargado por processo de usucapião. José Perdiz, que transformou a sua oficina mecânica num palco teatral na década de 1970, esteve presente e contou sobre as dificuldades que enfrenta no espaço da antiga oficina (708/709 Norte). O movimento começou depois que o Correio Braziliense publicou, na edição de quarta-feira, reportagem de capa do Diversão & Arte contando a luta de Perdiz para sobreviver. O compromisso firmado entre a construtora Ipê-Omni, responsável juridicamente pelo projeto da nova oficina, e o mecânico está embargado. Aos 80 anos, o mecânico e mecenas teme que o acordo, que foi acompanhado pelo Ministério Público e pelo GDF para a construção da nova oficina, caia no esquecimento.

Saiba mais...
Esquecida pelo governo do DF e por artistas, Oficina Perdiz enfrenta o fim

Os artistas da cidade lançaram um abaixo-assinado para ser entregue ao governador do DF, Agnelo Queiroz, e articulam reuniões com advogados e representantes do poder público. "Neste momento, convocamos a população do DF para aderir a campanha Salve a Oficina Perdiz. Uma dos primeiros movimentos é a assinatura do abaixo-assinado", convoca Francis Wilker, diretor do Teatro do Concreto, grupo que surgiu na Oficina Perdiz.

Enfrentando severas dificuldades financeiras, José Perdiz está com o telefone de seu ponto comercial cortado, sem realizar chamadas telefônicas. O telhado da oficina-teatro também precisa de reparos, pois foi danificado pela marquise do prédio vizinho. As modificações no teto não permitem que estruturas de iluminação e cenário sejam montadas no local. Há dois anos, nenhum grupo apresenta espetáculos no espaço, que virou teatro em 1975, quando o mecânico cedeu o lote para a montagem de um enteado, estudante de artes cênicas. Desde então, diversos grupos se sucederam na oficina, que virou uma referência de palco.

Assine a petição no http://www.peticaopublica.com.br/PeticaoVer.aspx?pi=P2011N14962

Triste fim da Oficina Perdiz

2011-10-05T10:05:00.004-03:00

Mariana Moreira

Publicação: 05/10/2011 08:36 Atualização: 05/10/2011 08:54


Aos 80 anos, José Perdiz acumula dívidas e perde sonhos

O design moderno e as fachadas imponentes dos prédios que se multiplicam ao redor da comercial 708/709 Norte vão, pouco a pouco, engolindo a frente modesta da oficina do mecânico paulista José Perdiz, quase 80 anos de vida dedicados aos tornos, ás soldas e ao mecenato informal do teatro em Brasília. “A coisa está ficando feia para o meu lado”, avalia. Os clientes já não surgem como antigamente, atraídos por oficinas informatizadas. O telefone está bloqueado por falta de pagamento e só recebe chamadas. Até a energia elétrica pode ser cortada a qualquer momento. Repleto de vazamentos, o telhado está ainda mais danificado depois que a marquise da construção vizinha avançou três metros sobre o terreno de Perdiz.

O cenário de dificuldades em nada lembra o tempo de glória, em que seu reino de graxa, parafusos e ferragens vivia repletos de atores, figurinos e plateia — gente que queria um espaço alternativo para mostrar e consumir arte, e foi acolhida pelo mecânico. Para completar o prognóstico negativo, o acordo com a construtora Ipê-Omni, mediado pela Secretaria de Cultura do GDF e pela Promotoria de Defesa do Meio Ambiente e Patrimônio Cultural (Prodema), para mudar sua oficina-teatro para terreno da 710 Norte está paralisado.

Interessada em expandir e erguer uma área de lazer no espaço onde hoje fica a oficina-teatro, a construtora Ipê-Omni, proprietária do prédio vizinho, aceitou comprar um lote, adaptá-lo às necessidades de Perdiz e transferir seu patrimônio para lá. Mas, recentemente, um mecânico afirmou que utilizava a área destinada à mudança e pediu usucapião. A Ipê-Omni, por sua vez, luta na Justiça pela reintegração de posse. “Se o processo realmente for adiante, pode levar uns três anos. Estou sugerindo à construtora que providencie outro terreno para transferir o Perdiz. Estou visando a saúde e o bem-estar dele”, afirma o advogado do mecânico, Dennis Mostacatto.

Alheio à discussão jurídica, Perdiz sente falta mesmo é da agitação que o rodeava. “Tem momentos, à noite, em que fico olhando em volta, dá uma tristeza. Esse lugar era de uma vivacidade…”, relembra. Hoje, as arquibancadas (que ele ergueu com as próprias mãos, em poucas horas) só são ocupadas por tábuas, equipamentos eletrônicos e objetos que faz por encomenda (como uma armação de cenário para um espetáculo).

História de cinema
O teatro nunca foi seu projeto de vida. Num gesto de generosidade, ele cedeu o espaço para que o enteado (filho de sua ex-mulher) encenasse um espetáculo com os colegas da Faculdade de Artes Dulcina de Moraes, em 1975. A peça Esperando Godot, sob a direção de Mangueira Diniz, foi um sucesso, lotou a oficina por três meses. “Depois, começou uma correria de gente querendo fazer teatro aqui. Dando certo ou não, eles agradeciam e iam embora. Eu decidi: agora vão usar o espaço e pronto. Se der certo, deu. Se não der, paciência. Continuo aqui, trabalhando como torneiro mecânico”, conta.

A iniciativa cultural de Perdiz sempre ganhou eco na classe artística e apoio da imprensa. Nas constantes ameaças de derrubada, as pessoas se mobilizavam e conseguiam evitar o pior. Em setembro de 2002, houve até um cordão humano em torno da oficina. A história de Perdiz foi eternizada em dois curtas-metragens: Oficina Perdiz, de Marcelo Díaz, e Zé(s), que propõe um encontro entre Perdiz e Zé Celso Martinez Corrêa, do Teatro Oficina, sob a direção de Piu Gomes. “Aclamadas e premiadas, as duas produções não conseguiram mudar a situação”, destaca ele.

Hoje, Perdiz vive na oficina e atende, a qualquer hora, clientes e amigos que buscam pequenos consertos. Os artistas, que antes engrossavam o coro de sua devoção ao teatro, quase não aparecem mais. A única preocupação do mecânico é com a filha Júlia, de 14 anos, que vive com sua mulher, no Paranoá.

“É engraçado. Morreu”, desabafa ele, olhando ao redor e referindo-se a oficina-teatro, que já foi destaque nacional no programa Fantástico, da TV Globo. Mas o que foi que morreu? O sonho de ajudar as pessoas a fazerem teatro? “O sonho do teatro pode se tornar um pesadelo, e já está virando. Mas não há como matar um sonho”, conclui. A Secretaria de Cultura do GDF, por meio da assessoria de imprensa, informa que “toda manifestação cultural é de extrema importância e deve ser preservada. É preciso, no entanto, observar a legislação vigente”. Ou seja... ainda está em cartaz “o triste fim da Oficina Perdiz”.


Em 2002, artistas fizeram corrente humana contra a demolição

Sem saída
A Oficina Perdiz sofreu ameaças por estar localizada em área pública. Em 2007, o problema se agravou, quando a construtora começou obras e teve problemas na confecção das marquises, que afetaram o telhado da oficina-teatro. Um ano depois, a Prodema determinou que a empresa deveria providenciar terreno e custear as obras de transferência do espaço.

A hora da sessão coruja


O diário do maldito: o último espetáculo na Oficina Perdiz

O ano de 1991 foi o momento áureo da Oficina Perdiz. Mangueira Diniz voltou a procurá-lo, com o intuito de montar Bella ciao, um marco no teatro brasiliense. Nas contas de Perdiz, a montagem teve 110 apresentações, chegou a fazer sessões extras aos sábados e, pasme, teve sessão agendada (e lotada) às 2h da manhã. “As pessoas não conseguiam explicar como os teatros de Brasília ficavam vazios e essa oficina miserável lotava. Não é o ambiente, mas a qualidade do trabalho que conta”, ensina o mestre, que, nesse espetáculo, chegou a ajudar na construção dos cenários e até fez uma aparição no papel de um italiano. “Tinha duas falas. Mas para quem não tem memória, já é um perigo”, brinca.

A última apresentação por lá foi há dois anos, quando o Teatro do Concreto levou ao espaço a peça O diário do maldito. Agora, não há mais como fazer teatro no local por conta da marquise do prédio vizinho que diminuiu o pé-direito, inviabilizando a “caixa cênica”. Antes, quem chegava lá era acolhido com ou sem dinheiro. “Sempre tinha um lanche na madrugada. Gastos com energia elétrica e água, então, eu nunca levei em conta”, admite.

Sua Majestade, Autran!

2011-09-21T11:47:00.002-03:00

Aclamado patrono do teatro brasileiro, Paulo Autran ganha homenagem hoje (21/09) no CCBB

Mariana Moreira


Um dos maiores intérpretes do Brasil, Paulo Autran fez do ofício de ator um sacerdócio: mais de 50 anos no palco

Liberdade, liberdade, peça de Millôr Fernandes e Flávio Rangel que estreou em 1965 e marcou a dramaturgia brasileira, começava com um ator bradando no palco: “Sou apenas um homem de teatro. Sempre fui e sempre serei um homem de teatro”. Esse intérprete, porém, extrapolou os limites da própria fala. Por sua dedicação inconteste e ilimitada aos tablados, ganhou a alcunha de “senhor dos palcos”. O reconhecimento à sua grandeza de caráter e aos infinitos matizes que imprimiu em seus personagens chegou à esfera governamental. Recentemente, ele ganhou o título de patrono do teatro brasileiro. Paulo Autran é o homenageado desta edição do projeto Mitos do Teatro Brasileiro, que prossegue hoje, em sua segunda temporada, às 20h, no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), com entrada franca.

Os convidados para dar depoimentos sobre o ator poderão construir, ao mesmo tempo, um mosaico sentimental e artístico de sua trajetória: a viúva de Autran, a atriz Karin Rodrigues, dividirá a homenagem com o amigo e parceiro do marido em diversos trabalhos, o ator e diretor Elias Andreato. Karin e Autran se conheceram durante a peça Equus, em 1975, e não resistiram à vontade de estar sempre juntos. “Aquilo foi evoluindo e, de repente, percebi que só queria ficar com o Paulo. A relação evoluiu para um companheirismo grande. Sinto muita falta dele e, se sei alguma coisa de teatro, aprendi com ele. Não tanto pelo que ele ensinava, mas por poder vê-lo representar”, admite.

As qualidades do companheiro ultrapassam o universo cênico, segundo Karin. “Me encantava o humor que ele tinha diante das coisas boas e ruins. Era um companheiro maravilhoso, inteligente e talentoso, as conversas eram ótimas, ele era de fácil convívio, estávamos no mesmo ritmo”, revela a atriz, que não vem a Brasília há cerca de uma década.

Perguntada pela curadoria do projeto sobre a companhia ideal para dividir as histórias de Paulo Autran, ela não titubeou: sugeriu o nome de Andreato, que dirigiu e atuou ao lado do casal em algumas oportunidades e acabou entrando para o círculo mais íntimo de convivência. “Ele o dirigiu nas últimas montagens (Visitando Sr. Green, Adivinhe quem vem para rezar, além do último trabalho, O avarento) e era quase da nossa família. Ao lado do produtor Germano Baía, éramos chamados de ‘os quatro mosqueteiros’. Elias estava no quarto de hospital quando Paulo morreu”, conta Karin.

Entre amigos
Os dois atores se conhecem desde a infância de Elias, mas sem qualquer intimidade. Depois de sua experiência como assistente de direção na peça Para sempre, de Maria Adelaide Amaral, Andreato foi convidado por Autran para dirigi-lo. “O que mais me surpreendeu foi a disponibilidade dele. Paulo era um ator extremamente generoso e disponível, e isso é raro. Ele me deu credibilidade como artista”, acredita.

A partir daí, o contato se estreitou. “Tínhamos uma afinidade de humor. Nos divertíamos muito juntos. Antes de tudo, ele deixou um repertório maravilhoso, era culto, teve uma formação incrível. E era muito apaixonado por teatro, queria ver todos os espetáculos, os amadores, os que eram encenados à meia-noite”, relembra o ator e diretor, que trará um texto escrito por seu irmão, Elifas Andreato, sobre a relação de parceria e amizade que estabeleceu com Paulo Autran.

Além das memórias tecidas diante da plateia, o projeto seguirá intercalando depoimentos com projeções de entrevistas e cenas originais em tributo ao ator, criadas pelos diretores Sérgio Maggio e J. Abreu. Na primeira delas, a amiga que o convidou para sua estreia profissional (na peça Um Deus dormiu lá em casa, dirigida por Adolfo Celi), Tônia Carrero, contracena com Ziembinski, um dos grandes diretores teatrais do país, enquanto conversa com ele sobre passagens da vida de Autran. Na segunda participação dos atores, novamente surge Tônia, desta vez ao lado do então marido, Adolfo Celi. Em parceria com o homenageado da noite, o casal montou uma companhia teatral, a Tônia-Celi-Autran (CTCA).

O tributo se encerra com Bibi Ferreira dirigindo Paulo em uma espécie de espetáculo no qual ele canta, dança e sapateia. No papel de todas as figuras femininas desta edição, está a atriz Silvana de Faveri. “Autran se dedicou à carreira de corpo e alma e mostrou que é possível viver do ofício de ator com muita dignidade”, destaca a atriz.

J. Abreu, ator e codiretor do Mitos do Teatro Brasileiro, divide o palco com ela, interpretando Ziembinski, Celi e o próprio Paulo. “A gente queria trazer também a Tônia Carrero, mas ela não pôde, por problemas de saúde. Nesta edição, além do Paulo Autran, quisemos homenagear todos esses outros nomes, importantes pra carreira dele e para o teatro brasileiro”, ressalta.

Reconhecimento
Em 15 de julho deste ano, o Diário Oficial da União (DOU) publicou a Lei 12.449/11, que declara Paulo Autran patrono do teatro brasileiro. A iniciativa foi do ex-deputado gaúcho Pompeo de Mattos. O título, aprovado em junho pelo Congresso Nacional, tem valor simbólico e não resulta em qualquer benefício material. “Fiquei muito contente com a honraria”, afirma Karin Rodrigues. O ator, que se formou em direito antes de começar a carreira, morreu em 2007, aos 85 anos.

MITOS DO TEATRO BRASILEIRO
Hoje, às 20h, no Centro Cultural Banco do Brasil (SCES Trecho 2, lote 22; 3108-7600). Entrada franca. Senhas distribuídas com uma hora de antecedência. Não recomendado para menores de 12 anos.

A dramaturgia de Oscar Wilde

2011-09-20T23:27:00.002-03:00

Sérgio Maggio

A obra de arte sempre vence o tempo dos homens. No caso de Oscar Wilde, humilhado e posto ao escárnio público por uma obscura Inglaterra do século 19, a condição natural do valor intrínseco de suas criações soterrou a ignorância e a moralidade de uma época. Homossexual que se assumiu após sucessivos escândalos, o dramaturgo, poeta, romancista, contista e frasista irlandês é dono de textos teatrais que continuam a ser um instigante exercício de montagem para atores e diretores em todo o mundo. A importância de ser constante (1894) é um deles, constantemente revisitado pelo teatro e pelo cinema, e que compõe o primeiro volume de Teatro completo — Oscar Wilde (edição bilíngue, inglês/português, da editora Landmark). Estão nesse tomo, Vera ou os niilistas (1881), A duquesa de Pádua (1883) e O leque de Lady Windermere (1892). Salomé, um dos clássicos de Wilde, compõe o volume 2 com mais quatro peças.

A obra teatral de Oscar Wilde, que se inicia com a melodramática Vera ou os niilistas, traz o frescor do olhar satírico e crítico do autor à aristocracia da época. É engraçadísismo como ele desdenha da falida instituição do casamento em A importância de ser constante, por exemplo, expondo o jogo de interesses e a hipocrisia que rondavam o acerto dos matrimônios entre os nobres, como Algernon e Jack:

Algernon — Realmente, realmente não vejo nada de romântico num pedido de casamento. É muito romântico estar apaixonado. Mas não há nada de romântico num pedido. Ora, pode até ser aceito. Normalmente é, eu creio. E aí acaba toda a excitação. A verdadeira essência do romance é a incerteza. Se algum dia vier a me casar, com certeza tentarei esquecer-me do fato.

Jack — Não tenho a menor dúvida disso, caro Algy. A Corte dos Divórcios foi criada especialmente para as pessoas que possui esse tipo curioso de memória.

Os jogos de diálogos entre Algernon e Jack seguem potentes em A importância de ser constante e agudizam com a chegada de Tia Augusta ou Lady Bracknell, com seu algoz apetite sobre as palavras, devoradas e ditas sem economia. Quando ela descobre que o pretendente a marido da filha, não teve berço e foi encontrado numa maleta de mão, dispara, para depois, sair do aposento, majestosa:

Lady Bracknell — O senhor não pode imaginar que eu e Lorde Bracknell sonharíamos em permitir que nossa única filha — uma moça criada com maior carinho — se case com num bagageiro e faça uma aliança com um embrulho! Passe bem! Mr. Worthing!

Integrante do movimento Esteticista, do escritor e crítico Walter Paden, que pregava a “arte pela arte, a crença de que a beleza não precisava de qualquer justificativa além dela”, Oscar Wilde encontrou, no desejo de expor o belo como “a verdade”, uma forma de ficar livre de uma mensagem ou de um conteúdo social da época que o martirizava. O uso da sátira como forma e o olhar de cronista, que sempre estava numa posição de observador da caquética aristocracia, encarregaram de encher a obra de Oscar Wilde de um forte teor crítico sobre a cena social. Vai além da simples arquitetura da comédia de costumes, apesar de se parecer bastante com o gênero, como bem explica o prefácio da edição da Landmark.

— O teatro de Wilde invoca em si mesmo e, ao mesmo tempo, uma reação e frustração do público: as situações dramáticas e satíricas são inovadas, apresentadas e completamente alteradas em seu desfecho, ferramentas utilizadas por Wilde, como um manipulador de situações, no desejo de criar um espaço no qual o público se reconhece e associa as regras literárias com a comédia de costumes. Wilde assim, compartilha o prazer de pertencer a uma comunidade elitista com o estabelecimento de uma aristocracia alternativa, moldada não pelos direitos de berço ou dinheiro, mas sim pelo reconhecimento e pela sabedoria. Essa é a principal característica de sua obra teatral.

Primeira vítima gay

O livro Heróis e exílios — Ícones gays através dos tempos, de Tom Ambrose (Editora Gutenberg) dedica um longo capítulo sobre Oscar Wilde, cuja imagem está na capa da obra. A relação de amizade de Wilde com o esteticista Paden, também vítima da Inglaterra moralista, explica mais a escolha formal de Wilde num momento delicado de sua vida, quando chegou ao Magdalen College, em Oxford, em 1874. Todo o calvário do escritor irlandês, ao assumir a homossexualidade, ganha razoável descrição em capítulo que conclui, ter sido Oscar Wilde a primeira vítima gay da cultura das modernas celebridades

Paulo Autran no Mitos do Teatro Brasileiro

2011-09-18T11:53:00.003-03:00

O CENTRO CULTURAL BANCO DO BRASIL E O PROJETO MITOS DO TEATRO BRASILEIRO — ANO II CELEBRAM A VIDA E A OBRA DE PAULO AUTRAN, ACLAMADO

PATRONO DO TEATRO BRASILEIRO

O Brasil já estava amordaçado pela ditadura militar quando Paulo Autran foi para o centro do palco, sob o foco de luz, clamar: “Sou apenas um homem de teatro. Sempre fui e sempre serei um homem de teatro.” De cara limpa, anunciava ao mundo, que estava ali para lutar, por meio do seu ofício, pela restituição de um país democrático. Em Liberdade, liberdade, de Millôr Fernandes e Flávio Rangel, o ator, maduro em sua consciência política, mostrava uma das facetas daquele que se doou plenamente ao palco, construindo um teatro preocupado em refletir as agruras e as agonias do homem contemporâneo. O projeto Mitos do Teatro Brasileiro celebra a trajetória de “o senhor dos palcos”, dia 21 de setembro, às 20h, no Centro Cultural Banco do Brasil, com entrada franca (as senhas para o encontro devem ser retiradas uma hora antes do evento).

“Poder interpretar num mesmo espetáculo, farsa, drama, comédia, tragédia, textos íntimos, épicos, românticos, é tarefa com que sonha qualquer ator, principalmente quando os atores se chamam Shakespeare, Beaumarchais, Büchner, Brecth, Castro Alves, Carlos Drummond de Andrade, Cecília Meirelles, Manuel Bandeira, Sócrates”, anunciou Paulo Autran. Homem de todos os teatros, que construiu uma carreira de repertório espetacular, trocou a promissora carreira de advogado pelo exercício de interpretar tantos sonhos. Da estreia profissional ao lado de Tônia Carrero em Um deus dormiu lá em casa (1949) a O avarento (2006), construiu uma trajetória de coerência artística e ética, sendo reconhecido, ainda em vida, como um dos maiores símbolos do teatro brasileiro. Em junho de 2011, Paulo Autran foi declarado Patrono do Teatro Brasileiro. O título, aprovado pelo Congresso Nacional, foi oficializado em lei assinada pela presidenta Dilma Rousseff.

Para celebrar a arte ímpar de Paulo Autran, os atores J. Abreu e Silvina de Faveri interpretam cenas inéditas, criadas pelo dramaturgo e diretor Sérgio Maggio, enquanto os atores Karin Rodrigues e Elias Andreato testemunham fatos relevantes vividos ao lado do senhor dos palcos. “Fico emocionada em ir a Brasília para falar de Paulo Autran”, diz a atriz e companheira Karin Rodrigues, que encenou grandes sucessos de Autran, como Pato com laranja e Vestir o pai. “É uma grande reverência em minha trajetória”, completa Elias Andreato, que dirigiu Autran, em 2000, na montagem Visitando o Sr. Green, espetáculo que marcou os 50 anos de carreira do ator

Após celebrar, com êxito de público e crítica, as trajetórias de Dulcina de Moraes, Dercy Gonçalves, Procópio Ferreira, Nelson Rodrigues, Cacilda Becker, Chico Anysio, Maria Clara Machado, Plínio Marcos e Lélia Abramo, Mitos do Teatro Brasileiro segue saudando a memória de Augusto Boal (18 de outubro, com Amir Haddad e Aderbal Freire-Filho) e Dina Sfat (22 de novembro, com Juca de Oliveira e Thelma

Reston). “É uma segunda geração do século 20, que vai permitir apontar as grandes transformações do teatro brasileiro a partir dos anos 1960”, observa Maggio.

Num formato de teatro-documentário, no qual se constrói ao vivo a biografia cênica do homenageado, a partir da junção de esquetes, depoimentos e vídeos, o projeto Mitos do Teatro Brasileiro contribui para consolidar a memória das artes cênicas. “É uma aula-espetáculo, na qual aprendemos juntos, artistas e plateia, a entender a construção desse teatro”, observa o ator J. Abreu.